Amy MacDonald

Schuld daran ist eindeutig Pete Doherty. Nein, wahrscheinlich liegt sie doch eher bei den Red Hot Chili Peppers. Oder ist vielleicht Fran Healy von Travis der Auslöser? Kann man ihn dafür rankriegen? Nee, lassen wir das. Soll doch ruhig Gras über die ganze Sache wachsen – schließlich können wir’s ja auch einfach auf Ewan McGregor und Jake Gyllenhaal schieben! Immerhin sind das Filmstars, richtig große sogar! Die beiden müssen das abkönnen. Sie sollten sich inzwischen daran gewöhnt haben, die Verantwortung für alle möglichen Dinge zu tragen.

Ohne die besagten Persönlichkeiten wäre Amy Macdonald heute nicht diejenige Singer/Songwriter-Sensation, zu der sie sich in den vergangenen Monaten entwickelt hat. Ganz im Gegenteil: Sie wäre aller Wahrscheinlichkeit nach immer noch irgendein Teenage-Girl in Glasgow, ein x-beliebiger Teenager; sie würde höchstwahrscheinlich als Studentin in der Uni abhängen, Sozialwissenschaften mit Schwerpunkt Geographie studieren. Das alljährliche Highlight in ihrem Leben wäre wohl auch weiterhin ein Besuch beim „T In The Park“-Festival, wo sie gemeinsam mit ihren Freunden im Zelt Party machen würde, zwei Tage lang ohne Pause, bis jeder einzelne seinen Namen vergessen hat – und sie vielleicht sogar ausnahmsweise die eine oder andere Band gesehen hätte, bevor es wieder nach Hause geht. Kurzum: Amy Macdonald wäre heute noch immer ein absoluter Niemand, und eben nicht ein gewisser JEMAND, der vor Ideen für grandiose Songs förmlich übersprudelt.

Amy war gerade 12 Jahre jung, als ihre Welt zum ersten Mal erschüttert wurde. Sie befand sich damals auf einem Familienausflug nach Rothesay, einem Ort an der Westküste Schottlands. Ihre Oma steckte ihr im Laufe des Nachmittags ein wenig Geld zu, wahrscheinlich dachte sie dabei an Süßigkeiten. Doch anstatt zehn Pfund nach und nach in Eis umzusetzen, zog Amy los und kaufte sich eine CD: „The Man Who“ von Travis. Was zugleich ihr erstes Album überhaupt war. Und dann war Amy gänzlich von den Socken: Einfache, brillant eingesungene Songs („Driftwood“, „Why Does It Always Rain On Me?“, „Writing To Reach You“), die ihr komplett den Kopf durchspülten und ihre bislang unwissenden Ohren auf eine Weise berührten, wie sie es noch nie zuvor erlebt hatte.
Davon inspiriert schnappte sich die heranwachsende Amy kurze Zeit später eine der Gitarren, die ihr Vater überall im Haus abgelegt hatte. Er spielte so oder so nie darauf. Und er war auch nie in einer Band gewesen – laut eigener Aussage hatte er immer nur „so herumgespielt“, gemeinsam mit seinen Freunden, vor langer Zeit, als er noch jung war. Nun kam also Amy an die Reihe, und sie brachte sich den korrekten Umgang mit dem hölzernen Apparat im Alleingang bei. Genetische Einflüsse gab’s hier nicht – woher auch?! –, und offizielle Unterrichtsstunden fanden ebenso wenig statt. Sie hatte einfach nur ein feines musikalisches Gehör und dazu ein paar Akkordfolgen im Internet gefunden. Noch wichtiger war nur, dass sie ein unfassbar großes, brennendes Verlangen hatte, eigene Songs zu schreiben und zu spielen.

Zunächst spielte sie nur die Melodien, die sie schon mal im Radio gehört hatte. Und dann saß sie eines Tages im Zimmer ihrer großen Schwester. Schwesterherz war zu jener Zeit der größte Fan von Ewan McGregor, sie war regelrecht besessen. So war natürlich eine gesamte Wand ihres Zimmers mit Postern von Ewan gepflastert, überall prangte das Antlitz des „Trainspotting“-Stars. Amy dachte darüber nach, was das eigentlich bedeutete, und schrieb dann „The Wall“, ein Song „darüber, wie Leute Stars anhimmeln“. „You never fail to amaze me“, so ging’s los, „everything you do is out of the blue…“. Natürlich war das alles Blödsinn, aber die Empfindungen und die Gabe, sie musikalisch umzusetzen, zeigten doch, dass man es hier mit einer angehenden Musikerin zu tun hatte, die ihrem Alter um einiges voraus war.
Amys erster Song, der auch wirklich etwas taugte, war „Fade Away“. Dabei handelte es sich letztendlich um eine Fortsetzung, denn wiederum war es jener Hang zu Celebrities, den sie bei ihrer Schwester beobachten konnte, der sie inspirierte – nur waren es dieses Mal die Red Hot Chili Peppers, die McGregor inzwischen den Rang abgelaufen hatten. Amy war in der neunten Klasse, als eines Tages eine Organisation namens „Impact Arts“ in ihrer Schule auftauchte: Es handelte sich dabei um eine Initiative der Gemeinde, die Musiker aus der Gegend an die Schulen brachte – u.a. sogar einen Typen, der in den Achtzigern bei der schottischen Pop-Band The Bluebells („Young At Heart“, 1984) gespielt hatte –, um interessierte Kids zu fördern. Da Amy ihren Klassenkameraden um Längen voraus war, wurde sie schon bald darauf ausgewählt, um Shows in ganz Glasgow zu spielen, die das „Impact“-Team für sie organisiert hatte.
Sie stand dann immer alleine mit ihrer Gitarre auf der Bühne. Sie war inzwischen 15. Und generell spielte sie hauptsächlich ihre eigenen Songs, allerdings angereichert mit einer Handvoll Cover-Versionen: „Everybody Hurts“ von REM oder „Mad World“ von Tears For Fears – „man muss dazu wissen, dass ich die langsame Version des Songs gespielt habe“, berichtet Amy über „Mad World“. „In dem Tempo, in dem der Song auch in `Donnie Darko´ zu hören ist. Damals war es noch keine Single, und ich hätte auch nie gedacht, dass daraus einmal der absolute Weihnachtshit wird! Ich stand einfach nur total auf Jake Gyllenhaal. Er ist mit Abstand das schönste Ding, das je erschaffen wurde.“ Wie unschwer zu erkennen, ist auch Amy nicht über ein bisschen Star-Verehrung erhaben. Und so kam es, dass sie dem Schauspieler einen Song widmete. Er heißt „LA“. Sie hat fünf Minuten gebraucht, um ihn zu schreiben. So sehr steht sie auf ihn (und so unglaublich talentiert ist sie).

Bald darauf hatte sie einen Auftritt im Starbucks im „Borders“-Buchladen in Glasgow, wo jeden Freitagabend Open-Mic-Nächte veranstaltet wurden. Die Anwesenden waren schon nach wenigen Songs aus dem Häuschen, was Amy gleich den nächsten Auftritt in der Edinburgher Filiale sowie weitere Gigs in offiziellen Konzerthallen wie The Barfly bescherte. Zeitgleich fing sie an, mit anderen Teenage-Musikern abzuhängen. „Früher haben sich meine Freunde und ich immer in diese Kneipe in der Sauchiehall Street geschlichen, immer samstags. Wir waren alle erst 16, aber ich konnte dort ein kurzes Akustik-Set spielen. Wir haben uns dann immer hinter der Bühne versteckt, bis ich drankam – und als meine Songs gut bei den Leuten ankamen, hat mich das schon ein bisschen angestachelt.“
Der Schule kehrte sie schon relativ früh den Rücken, nicht jedoch ohne sich Studienplätze an gleich zwei Universitäten zu sichern. Doch schob sie ihr Studium noch ein Jahr hinaus und blieb stattdessen zu Hause, um wichtigeren Dingen nachzugehen: Songs schreiben, Musik machen – und NME lesen. Und zum Konzert von Babyshambles gehen. Immer wieder. „Ich habe keinen Schimmer, wie oft ich diese Band schon live gesehen habe“, lächelt sie verschmitzt. „Ich habe mir auch Pete Dohertys ersten Gig in Glasgow angeschaut, direkt nach seinem Ausstieg bei den Libertines. Es war der perfekte Konzertabend: Auf der Aftershow-Party hat er sogar noch eine Akustik-Performance hingelegt, und wir waren dabei! Danach bin ich mit meinen Freunden zu irgendwem von uns nach Hause gegangen, und wir haben uns einfach nur hingesetzt, die Gitarre rumgehen lassen und Songs gesungen. Es war einfach perfekt. Am Morgen danach habe ich dann `This Is The Life´ geschrieben, einen Song, der genau von dieser Erfahrung handelt. Mir war nämlich klar geworden, dass genau das das Leben ist.“

Während ihrer einjährigen „Auszeit“ schickte Amy eine Reihe von Demos, die sie in ihrem Schlafzimmer mit einem Achtspurgerät aufgenommen hatte, an alle möglichen Labels, Management-Firmen und Talentschmieden, deren Adressen sie im hinteren Teil des NME fand. Ein paar Leute hatten schon angebissen, als sie sich für einen Deal mit Melodramatic Records entschied, einer Produktions- und Managment-Firma aus London, die von Pete Wilkinson geleitet wird. Wilkinson half Amy, die immer noch keine Erwachsene war, dabei, ihre Demo-Songs in besserer Qualität aufzunehmen und motivierte sie auch in kreativer Hinsicht. Sechs Monate später hatte sie einen Publishing- und einen Plattenvertrag.

Vergangenes Jahr nahm Amy Macdonald schließlich ihr Debütalbum auf, wobei Wilkinson in Soho als Produzent mitwirkte und die Rocklegende Bob Clearmountain in Los Angeles das Mixing übernahm. Auf dem Album jagt eine große Melodie die nächste. Ein Hit folgt auf den nächsten. Neben „This Is The Life“ begegnet man hier auch „Mr Rock & Roll“, bei dem Amys satte, unfassbar klare und druckvolle Stimme über einem rhythmischen Teppich besonders gut zur Geltung kommt – so gut sogar, dass schon jetzt feststeht, dass man mit dem Refrain auch die Zuschauer des „T In The Park“-Festivals von den Camping-Hockern reißen könnte. „Barrowland Ballroom“, durchzogen von einer Spelunken-Klavier-Melodie und schmetternden Bläsern, ist ihre vorwärts gerichtete Verneigung vor der berühmten Glasgower Konzerthalle – und zugleich vor all den unvergesslichen Konzerten (Razorlight, noch mal Babyshambles, Travis zum Zweiten…).

Im Fall von „Footballer’s Wife“ verknüpft Amy verhängnisvoll klingende Streicher mit donnerndem Schlagzeug und eindringlichem Gesang, um insgesamt mit einer pervertierten Popkultur abzurechnen, die lächerlich junge Mädchen (Chantelle, Colleen) dazu bringt, ihre Autobiographien zu veröffentlichen. „Sie sind gerade mal 19 oder 20, und mir will es einfach nicht in den Kopf gehen, wie jemand im dem Alter seine Lebensgeschichte aufschreiben kann! Es ist einfach nur erbärmlich.“

Durchaus patriotisch veranlagt wie sie nun mal ist, hat Amy auch eine neue Version des schottischen Folk-Klassikers „Caledonia“ aufgenommen. Zwar hat sie gehört, dass Paolo Nuttini den Song schon mal live gesungen hat, aber Amy ist das egal. Das Stück bewegt sie. Und genau das ist es, worum es ihr geht: Sie will Songs hören, die ihr etwas bedeuten – ganz egal, ob sie nun aus ihrer Feder stammen oder von anderen Künstlern. Denn genau das war auch, was damals geschah, als sie ihre erste CD anhörte: Travis schafften es, sie zu bewegen, ein großes Gefühl auszulösen. Und an manchen Abenden kann auch Pete Doherty diese Emotionen wecken. Manchmal.
Letztendlich ist es bezeichnend, dass einer der bewegendsten Songs auf Amy Macdonalds Debütalbum das von Trompetern begleitete, überaus atmosphärische „Let’s Start A Band“ ist: ein einfacher Song, brillant gesungen, den man nicht mehr aus dem Kopf bekommt, und der davon handelt, welche Magie mitschwingt, wenn man eine Band liebt, einer Band folgt oder Teil einer Band ist. Wenn man Teenager ist, gibt’s nichts Wichtigeres.

Eisblume

Eisblume Biografie

Wenn der Nachtfrost sich so langsam ungemütlich breit macht, durch die Ritzen dringt und man eigentlich froh ist, in der behaglichen Behausung die Füße hochlegen, den Kopf aus und die Glotze einschalten zu können, rückt draußen am Fenster so langsam die personifizierte Kälte vor und hinterlässt ihre Spuren, in ihrer vermutlich ästhetischsten Ausformung: Das ist die Eisblume.

Der latente Grauschleier der kalten Jahreszeit, der über den Wäldern liegt, Fußstapfen, die zum zugefrorenen See führen und dort enden, ohne Hinweis auf den Verbleib des Wandernden, die Melancholie der kurzen Tage, die schon wieder vorbei sind, ehe man ihnen etwas abverlangen konnte, aber dennoch Trost zu finden in den kleinen Dingen, im Teilen gemeinsamer Momente und Gefühle, darum geht es. Um Verlust und Durchhalten, Resignation und das Festklammern an dem tiefen Verlangen und dem Glauben daran, mehr zu sein als eine Marionette der Welt. Vier Jungs und eine dunkle Prinzessin, aus Berlin kommen sie und gemeinsam sind auch sie nun bereit, ihre hoffentlich tiefen Spuren in der Winterlandschaft zu hinterlassen, die sie musikalisch suggerieren.

„Es geht bei Eisblume nicht darum, sich nur auf einen Sound festzulegen, sondern mit den Elementen zu spielen. Mal rockt es intensiver oder hat etwas Episches oder eine scheinbare Ruhe, die aber doch keine ist“, versucht Ria, Sängerin und Aushängeschild des Berliner Quintetts, die Ausstrahlung ihrer Musik einzuordnen.

„Früher dachte ich, meine Stimme wäre einfach zu glockenklar, um rockigeren Sound zu machen. Man muss sich schließlich gegen harte Gitarren und druckvollen Sound bewähren, um nicht verloren zu gehen. Doch mein Herz schlägt nun mal, wie es schlägt! Und unsere Songs besitzen auch Sensibilität und Fragilität.” Die frühe Selbstkritik wirkt sympathisch, ist aber unangebracht, lebt Eisblume doch genau von der Gegensätzlichkeit des gebirgsbachklaren, herzerwärmenden Gesangs und der klirrend kalten Wände, die Gitarren und Drums zuweilen aufschichten, gerne stabilisiert von einem stählernen Industrial-Gerüst. Wände, gegen die Ria ansingt, ein kleines, zerbrechliches Geschöpf, das sich gegen die Elemente stemmen muss und die Naturgewalten besiegt, irgendwie.

Nicht ausschließlich freilich, in den ruhigen Passagen, zu wie Morgentau tröpfelnden Piano-Akkorden, zeigt Ria sich von ihrer verletzlichen Seite, um sich aber direkt trotzig in den Wind zu stellen, sobald sich der Himmel zu- und der nächste Sturm heraufzieht. Bei „Eisblumen” ist das so, dem programmatischen Titel zur Band, ursprünglich zu finden auf dem 2005er Album „Nord Nord Ost” der Potsdamer Folk Metal-Institution Subway To Sally. Deren Texter Michael Boden, genannt „Bodenski”, hat unter anderem den Text des Titelsongs der ersten EP, „Unter dem Eis”, verfasst, den Ria nun gänzlich neu interpretiert.

Auch eine „Louise” wird besungen, die offensichtlich nicht mehr unter den Lebenden weilt, irgendwas war da am Meer, mit ihrem Geliebten. „Das Wasser trägt uns jetzt ins Morgenlicht”, im Tode vereint, der vielleicht einzig tröstliche und mögliche Weg, dieser Welt zu entfliehen und gleichzeitig die Liebe ewig jung zu halten. Es ist wieder einer dieser charmanten und nur scheinbaren Widersprüche, diesmal der von Jenseitigkeit und einer doch sehr weltlichen Ästhetik. Getragen von Stimme und Klavier und langsam mit orchestraler Wucht anschwellend, majestätisch die letzten Minuten auf den Wellen auskostend, bevor das kleine Boot kentert und die Liebenden Arm in Arm in die Fluten hinab gleiten.

Der ultimativ letzte Ausweg und die damit verbundene Zerrissenheit sind aber nicht das allumfassende Thema der Berliner. In den Songs „Das Leben ist schön” oder „Überleben” werden der Realität, bei allen Nackenschlägen und negativen Erfahrungen, doch immer wieder positive Seiten abgerungen, sind diese Dinge, so schmerzhaft sie zunächst erscheinen mögen, mitunter unwahrscheinlich lehrreich. Ein gebrochenes Herz und eine verstörte Seele, die sich windet, weil sie sich verraten fühlt, aber niemals die Schwelle zum Identitätsverlust überschreitet, sondern zur Besinnung kommt – angezählt zwar und etwas wackelig auf den Beinen, aber aufrecht und nach vorne blickend. Und findet man ein „Du”, dem es ähnlich erging, dem man aufzuhelfen vermag, und das einen neuen Zauber entfacht, dann ist das die reiche Belohnung.

Dass man sich sowohl einen adäquaten Bandnamen als auch ein passendes Stück Musik zum Bearbeiten gesucht hat, dessen ist sich Ria sicher: „”Wir sind Eisblumen, wir blühen in der Nacht” – es umschreibt das Gefühl, dass die Welt dich nicht versteht, weil du anders bist, anders fühlst. Eisblumen sind wunderschön und komplex – man muss genau hinschauen und wird begeistert sein“. Theatralik und Gelöstheit, Pathos und Zärtlichkeit, die emotionalen Tiefen und Untiefen auslotend, stimmungsvoll, vor allem jetzt, wo die Tage kürzer und die Nächte eisiger werden, und da ist plötzlich eine warme, weiche Hand, die Deine nimmt und hält: Auch das ist die Eisblume.

Die erste Single „Eisblumen” erscheint am 16.01.2009 Das Album wird im Frühjahr 2009 erscheinen.

(Oliver Jochum / 2008-10-09)

Katy Perry

Die Liebe zur Musik entdeckte die Tochter eines Pastors und einer Pastorin während eines Kirchenfestes, da ihr Onkel sie dazu brachte, im örtlichen Gospelchor mitzusingen. Später entdeckte sie die Band Queen für sich und war sofort von der Stimme des Frontmannes Freddie Mercury begeistert („Als ich zum ersten Mal seine Stimme hörte, war es, als ob sich der Himmel öffnet.“), da ihr diese Musikrichtung aufgrund elterlicher Einschränkungen noch gänzlich unbekannt war.

Im Jahr 2001 erhielt Perry einen Vertrag mit dem Label Red Hill Records. Kurz darauf veröffentlichte sie unter ihrem richtigen Namen Katy Hudson das gleichnamige Debütalbum, welches aber kommerziell erfolglos blieb, obwohl es „breiten Anklang in der christlichen Musikszene“ fand. Nach dem Erscheinen ihres ersten Albums änderte sie ihren Künstlernamen auf den Geburtsnamen ihrer Mutter – Perry – ab, um zukünftig nicht mehr mit der Schauspielerin Kate Hudson verwechselt zu werden.

2004 arbeitete Perry für das Label The Matrix, wobei sie die Arbeit an ihrem ersten Mainstream-Album begann, das 2005 erscheinen sollte. Einige der Titel wurden auf ihrer offiziellen MySpace-Seite veröffentlicht und Simple ist auf dem Soundtrack von Eine für 4 enthalten. In der Musikmetropole Nashville lernte sie den Produzenten Glen Ballard kennen, der auch schon für No Doubt tätig gewesen ist. Dieser förderte gezielt ihr Talent und stand ihr bei den ersten professionellen Aufnahmen mit Rat und Tat zur Seite. Von da an geriet Perry immer mehr ins Blickfeld der einflussreichen Produktionsfirmen, wie beispielsweise Capitol Records, und der Medien.

Im Jahr 2005 machte sie im Videoclip Cupid’s Chokehold von den Gym Class Heroes auf sich aufmerksam, wo sie die Freundin von Leadsänger Travis McCoy spielt. Auch privat waren die beiden drei Jahre lang ein Paar, bis sie sich 2008 voneinander trennten.

Im Mai 2008 wurde die erste Single “I Kissed a Girl” aus ihrem nachfolgenden Album One of the Boys in den USA veröffentlicht, welches sie dort auch auf der Warped Tour vorstellte. So erreichte der Titel Platz 1 in Kanada und im Juni auch die Spitze der US-amerikanischen und australischen Charts. Am 1. August wurde der Titel auch in Deutschland veröffentlicht und stieg auf Platz 2 der Media-Control-Single-Charts ein. In der dritten Woche eroberte der Song auch in Deutschland Platz 1. Mitte September wurde das Album One of the Boys veröffentlicht. Als zweite Single folgte der Song “Hot ‘N Cold”, der am 21. November 2008 als erster reiner Download-Titel den Charteinstieg auf Position 2 in Deutschland schaffte. Mit der Veröffentlichung als CD stieg Hot N Cold eine Woche später auf Position 1 der deutschen Charts.

Bei manchen Liedern von Miley Cyrus singt sie im Hintergrund.

Für das Computerspiel Sims 2 Apartment Leben, nahm Perry ihren Song “Hot N Cold” neu, in der Fantasie-Sprache “Simlisch”, auf. Es ist im In-Game Radio hörbar unter der Rubrik “Pop”

Am 6. November 2008 moderierte Katy Perry die MTV Europe Music Awards 2008 und gewann den Award als Bester Newcomer.

Quelle: Wikipedia.de

The Killers

An Ideen und Geistesblitzen hat es The Killers noch nie gemangelt, und das ist auch verdammt gut so, denn Day & Age, das dritte Studioalbum der Band aus Las Vegas, explodiert aus diesem Grund förmlich vor grandiosen Einfällen und großen Momenten. „Ich muss immer wieder an die Situationen denken, in denen wir Songs wie `When You Were Young´ oder, um beim neuen Album zu bleiben, `Spaceman´ geschrieben haben“, setzt Brandon Flowers an. „Stell dir vor, wir hätten uns in einem solchen Moment dazu entschlossen, lieber mal eine Pause einzulegen und in den Park zu gehen –, dann hätte es diese Songs nie gegeben! Ganz schon beängstigend eigentlich. Ich habe dadurch fast schon das Gefühl, dass wir besser gar keine Pause mehr machen sollten, schließlich könnte uns sonst ein grandioser Song durch die Lappen gehen. Die Stücke liegen einfach so in der Luft; man muss nur aufstehen und sie einfangen.“

Zusammen mit Bassist Mark Stoermer, Gitarrist Dave Keuning und Schlagzeuger Ronnie Vannucci, ist es Flowers gelungen, ein Album mit zehn Songs aufzunehmen, das runder und schlüssiger nicht klingen könnte, während zugleich jeder einzelne Track einen Schritt in der Entwicklung der Band markiert. „Uns ist sehr wichtig, dass wir jedes Mal neue Dinge ausprobieren und uns weiterentwickeln“, berichtet Stoermer, „darum ist das klangliche Spektrum des neuen Albums auch so wahnsinnig groß – alles von Rock-Hymnen bis zu astreinen Dance-Stücken ist dabei.“ „Wir hatten das Gefühl, dass Sam’s Town die logische Fortsetzung von Hot Fuss war, und diese Platte fühlt sich nun wie der logische Schritt nach Sam’s Town an“, fügt Flowers hinzu. „Andererseits kann man Day & Age mit keinem der beiden Vorgängeralben vergleichen – und das, obwohl wir unserem Sound treu geblieben sind. Vielleicht funktioniert das neue Album eher wie ein entfernter Blick auf Sam’s Town, wie ein Blick vom Mars zum Beispiel.“

Wer die ersten beiden Alben von The Killers kennt, wird ihren Sound im Fall von „Human“ im Handumdrehen wieder erkennen: Massive Synthies, von denen die epische Rock-Nummer vorangetrieben wird, während Flowers folgende Zeile singt: „My sign is vital/My hands are cold/And I’m on knees, looking for the answer/Are we human, or are we dancer?“ Spricht man den Sänger darauf an, erklärt er, dass sie auf eine abschätzige Bemerkung zurückzuführen ist, die Hunter S. Thompson einst über Amerika gemacht hat, da sich das Land seiner Meinung nach eine Generation von Tänzern heranzüchtete. Zudem hört man deutlich raus, dass auch Stuart Price (aka Jacques Lu Cont), unter anderem bekannt durch seine Arbeit mit Madonna und Missy Elliott, bei diesem Stück seine Finger im Spiel hatte. Price, der zuvor schon ein Remix von „Mr. Brightside“ angefertigt hatte, war laut Stoermer „das Tüpfelchen auf dem i“ während der Arbeit am neuen Album…

„Wir hatten `Human´ gerade erst geschrieben, als wir eines Abends nach dem Abendessen zu seinem Haus [in London] fuhren“, erinnert sich Flowers an das erste Zusammentreffen mit dem Produzenten. „Schon wenige Stunden später hatten wir einen Song im Kasten, der sich von der endgültigen Version kaum unterscheidet. Ich war wie im siebten Himmel. Als wir seine Wohnung betraten, entdeckte ich sofort das Cover von The Man Who Sold the World an der Wand, und ein paar Stufen darunter hing ein Bild von Eno aus seiner Zeit mit Roxy Music. Damit stand fest, dass wir bei Stuart an der richtigen Adresse waren.“

Dabei ist es kaum überraschend, dass sich Flowers & Co. wie zu Hause fühlen, wenn sie von Bowie und Eno empfangen werden: The Killers haben nie ein Geheimnis daraus gemacht, dass sie gleichermaßen auf Art- und Stadionrock stehen (und schließlich war auch Lou Reed auf dem Song „Tranquilize“ vom Sawdust-Album zu hören, ihrer Compilation aus B-Seiten und unveröffentlichten Songs, die 2007 erschien). Gegründet in Las Vegas im Jahr 2002, spielen The Killers schon seit Jahren in der Liga derjenigen Rockbands, die kommerziell erfolgreich sind und zugleich von den Kritikern geliebt werden – auf ihre beiden Vorgängeralben sangen die Journalisten lange Lobeshymnen –, und bei dem Gedanken, dass ihre Karriere letzten Endes bloß auf einer popeligen Kleinanzeige und einer Zufallsbegegnung basiert, kann man schon feuchte Hände bekommen…

Flowers stieß auf den Gitarristen Keuning in der Kleinanzeigenspalte einer Lokalzeitung, die er auf der Suche nach anderen Musikern durchforstete. Als er in Daves Anzeige unter anderem Referenzen wie The Beatles und Oasis entdeckte, wusste er, dass er auf dem richtigen Weg war. Sie schnappten sich den Namen The Killers, nachdem sie ihn auf dem Schlagzeug einer fiktionalen Band in einem Video von New Order gelesen hatten, und holten dann Stoermer und Vannucci ins Boot. Schon bald wurde ihnen klar, dass ihr Sound etwas Besonderes hatte, etwas, das sie zwar noch nicht beim Namen nennen, aber doch fühlen konnten; um das zu erkennen, genügte schon ein Blick in die Gesichter der Leute, vor denen sie in ihrer Heimatstadt auftraten. Im Jahr 2004 gelang ihnen mit der Veröffentlichung ihres Debütalbums Hot Fuss, das sich millionenfach verkaufte, der internationale Durchbruch. Danach waren The Killers zwei Jahre lang ununterbrochen auf Tour; sie spielten über 400 Konzerte, um dann nach Vegas zurückzukehren und dort mit den legendären Produzenten Alan Moulder und Flood an ihrem zweiten Album zu arbeiten. Das Ergebnis dieser Arbeit, Sam’s Town, in gewisser Hinsicht ein Liebesbrief an ihre Heimatstadt, erschien im Jahr 2006 und ging seither allein in Großbritannien über 1,4 Millionen Mal über den Tresen, wobei diese Zahl noch immer wächst: Beide Studioalben der Band und die Sawdust-Compilation sind so gut wie immer in den britischen Charts zu finden. Man sollte meinen, dass derartige Erfolge einen ganz schön unter Druck setzen können, wenn es darum geht, ein weiteres Album aufzunehmen, doch davon war im Lager von The Killers nichts zu spüren: „Zusammen sind wir sehr souverän, und wir fühlen uns absolut wohl bei der Arbeit und auf der Bühne“, sagt Stoermer. „Als es also darum ging, die neuen Songs für dieses Album zu schreiben, haben wir uns deutlich weniger Sorgen gemacht; was jedoch nicht heißen soll, dass wir uns auf unseren Lorbeeren ausruhen wollten.“

Dieses Selbstvertrauen kann man auf Day & Age deutlich raushören. Denn The Killers haben dieses Mal mit sehr vielen unterschiedlichen Instrumenten herumexperimentiert und sind neue Wege gegangen: „I Can’t Stay“ klingt z.B. wie ein Stück aus den Tropen – was auf Saxophon und Steel Drums zurückzuführen ist –, und laut Flowers könnte es „der beste Popsong sein“, den sie jemals geschrieben haben. „Losing Touch“ hingegen ist ein unwiderstehlicher Uptempo-Track, der mit nachdrücklichen Bläsern und einem düsteren Text besticht („impending doom, it must be true/I’m losing touch“) und insgesamt einfach nur unheilvoll klingt. Im Fall von „Spaceman“, einer unverschämt überdimensionalen Glamrock-Nummer, die man am besten im Stadion hört, geht es unter anderem um eine Entführung durch Außerirdische. („Wir haben diesen Song immer zwischen `Read My Mind´ und `Mr. Brightside´ gespielt, und es fühlt sich an, als ob er schon immer an der Stelle in unserem Set war“, sagt Flowers.) The Killers können es kaum abwarten, den Fans ihre neue Platte zu präsentieren, obwohl sie, wie Stoermer sagt, „immer auch ein bisschen nervös sind, schließlich wird sich erst zeigen, ob die Leute die Songs auch wirklich mögen.“

In den letzten Jahren mochten die Leute jedoch alles, was The Killers veröffentlicht haben. Abgesehen von den beeindruckenden Verkaufszahlen – Sam’s Town wurde allein außerhalb der USA über 4,4 Millionen Mal verkauft –, wurde die Band bereits für sieben Grammys nominiert, dazu haben sie etliche MTV-, BRIT- und NME-Awards gewonnen. Sie sind bei den größten Festivals der Welt als Headliner aufgetreten – unter anderem in Glastonbury, Reading/Leeds und beim Pukkelpop-Festival – und haben selbst in so renommierten Hallen wie dem Madison Square Garden in New York vor ausverkauftem Haus gespielt. Die Entwicklungen der letzten Jahre haben es ihnen nicht immer leicht gemacht, auf dem Boden der Tatsachen zu bleiben, aber dieses Mal wird die Band definitiv alles dransetzen, einen kühlen Kopf zu bewahren.

„Alles ging wahnsinnig schnell, von einem auf den anderen Tag waren wir ganz oben. Nun geht es darum, mit beiden Füßen auf dem Boden zu bleiben und den nächsten Schritt zu gehen“, sagt Flowers abschließend. „Ich will mit der Band etwas Positives bewirken und auch so wahrgenommen werden. Viele Leute denken, dass wir vermessen und eingebildet sind, und der Grund für diesen Eindruck ist schlichtweg unsere Begeisterung. Wir würden niemals `Wir sind was Besseres´ sagen; stattdessen ist es einfach nur so, dass ich es zum Teil nicht abwarten kann, den Leuten unsere Songs zu präsentieren, weil ich ja weiß, wie sehr sie mich berühren. Ich kann unsere Songs hören und dabei sogar ausblenden, dass wir es sind, die sie komponiert haben. Im Gegenteil: Ich kann sie vollkommen unvoreingenommen hören und dann weiß ich, was gut ist und was nicht. Manchmal sagen die Leute, dass ich meinen Mund ganz schön voll nehme, dabei bin ich in Wirklichkeit einfach nur begeistert und kann nicht anders.“

Quelle: www.the-killers.de

The Real Booty Babes

Jens Ophälders und Jens Kindervater sind seit Jahren musikalisch aktiv und stehen hinter Projekten wie Rave Allstars, Junkfood Junkies, Jens O., Groovelikers, 4 Clubbers etc. Ihre Produktionen und Remixes finden sich regelmäßig in den Charts wieder und sind aus den Koffern der hiesigen Dance-Jockeys nicht mehr wegzudenken. Nebenbei betreiben sie die Labels YAWA Recordings und Kick Fresh, die den internationalen DJs regelmäßig erstklassige Dance- und Club-Bretter liefern.

Als THE REAL BOOTY BABES waren sie in den letzten Monaten schwer beschäftigt, nachdem sie im Winter 2005 / 2006 mit dem Kelly Clarkson-Cover “Since U Been Gone” erneut weltweit durchgestartet sind. So veröffentlichten sie nicht nur die Follow-Up-Single “It’s A Fine Day / Meet Her At The Loveparade”, sondern ebenfalls das erste Real Booty Babes-Album “Connected” und remixten diverse Künstler wie Cascada, Klubbingman, CSI, C-Bool, Tom Mountain, Lazard und viele mehr. Ende des Jahres 2006 werden sie eine weitere Single aus ihrem Album veröffentlichen und bereiten schon die nächsten Tracks für 2007 vor.

Für die Mix-Compilation “Fast 4Ward” haben sie ebenfalls eine Hymne geschaffen, die in allen Clubs die Hände hochschnellen läßt: “Fast 4Ward” ist pure Dance-Power und wird bereits fleißig von den ersten VIP-DJs gespielt. Ihre Zusammenarbeit mit der Dance-Legende Paffendorf wird ebenfalls zum Winter 2006 veröffentlicht und verspricht, einer der großen Dance Hits des ausklingenden Jahres zu werden.

Die Real Booty Babes sind mittlerweile auch gern gesehene Special Guests in den Discotheken mit wöchentlichen Gastspielen in Deutschland, Österreich, Ungarn, Polen oder Japan.

Infos

Singles:
2008
The Real Booty Babes – “I Kissed A Girl / Do Not Laugh”
The Real Booty Babes – “Played-Alive / Derb 08″

2007
The Real Booty Babes – “4Ever”

2006
Paffendorf vs The Real Booty Babes – “Where Are You? 2007″
The Real Booty Babes – “It’s A Fine Day / Meet Her At The Loveparade”

2005
The Real Booty Babes – “Since U Been Gone”
The Real Booty Babes – “Airport”

2004
The Real Booty Babes – “Ready To Go”

Album:
2006
“Fast 4Ward” (Mix-Compilation)
The Real Booty Babes – “Connected”

Tiësto

Tijs, so heißt Tiesto mit bürgerlichem Namen, begann sich schon als Achtjähriger für die Arbeit des DJs zu interessieren. In seiner Jugend legte er dann als Resident DJ des kleinen Clubs Spock in Breda auf. Dort wurde er von Trendscouts aus Rotterdam entdeckt.

Ab Mitte der 1990er Jahre veröffentlichte er selbst produzierte Tracks unter mehreren Künstlernamen und bei verschiedenen Labels. Im Jahre 1997 gründete er mit seinem Freund und Produktionspartner Arny Bink das in der Szene mittlerweile legendäre Label Black Hole Recordings.

Der große Durchbruch kam für Tiësto im Jahr 2000 mit dem Remix von Deleriums Silence (mit der Stimme von Sarah McLachlan), der Platz drei der Billboard-Charts erreichte. Nach einigen Mix-CDs, kam 2001 sein Debütalbum In My Memory auf den Markt. Das Album war ein großer Erfolg, auch in den USA.

2002 wurde er erstmals von den Lesern des britischen Magazins DJ Mag zum besten DJ der Welt gewählt. 2003 und 2004 verteidigt er seinen ersten Platz. Im Jahre 2003 war er mit Tiësto In Concert der erste DJ, der allein in einem Stadion (Gelredome in Arnheim, Niederlande) vor 25.000 Zuschauern Platten auflegte.

Am 13. August 2004 begleitete er bei den Olympischen Sommerspielen in Athen den Einmarsch der Athleten ins Stadion. Dies ist mit Millionen von Zuschauern in aller Welt der bis dato wahrscheinlich größte Gig eines DJs. Im selben Jahr kamen auch seine Alben Just Be 2004 und Parade of the Athletes heraus. Des Weiteren veranstaltete er Tiësto In Concert 2, wo er vor 70.000 Fans eine gewaltige Show ablieferte. Tiësto hatte 2004 über 100 Gigs, darunter auch regelmäßige Auftritte in bekannten Clubs wie dem Amnesia auf Ibiza und Gatecrasher in Sheffield.

2005 hatte er einen Soloauftritt im Disneyland Paris und vier Konzerte in den USA (Los Angeles, Washington (D.C.), Miami und New Orleans) im Rahmen der Tiësto In Concert USA-Tour. Im gleichen Jahr folgte die „Tiësto CEE Tour 2005“, während er Städte wie Prag, Bratislava, Zagreb, Belgrad und Budapest besuchte. 2006 war Tiësto bei der Neuauflage der Loveparade dabei.

Seit dem 6. April 2007 hat Tiësto eine wöchentliche Radiosendung beim niederländischen Radiosender Radio 538. In „Tiësto’s Club Life“ präsentiert er aktuelle elektronische Tanzmusik und gibt in den „15 Minutes of Fame“ Nachwuchs-DJs eine Plattform um sich einem breiten Publikum zu präsentieren. Ursprünglich sollte die Sendung „Club Nouveau“ heißen, wurde aber aufgrund von Namensstreitigkeiten nach fünf Shows umbenannt. Eine internationale Version auf Englisch wird auch als Podcast angeboten.

Im Jahre 2008 kündigte Tiësto an, dass er jeden Montag, beginnend mit dem 7. Juli und endend am 22. September, im Privilege als neuer Resident DJ auflegen wird. In den vier Stunden die er auftritt, wird er hauptsächlich Musik aus seiner In Search of Sunrise-Serie verwenden.

Seine Einstellung zu seiner Arbeit als DJ beschreibt er mit: „Ich fühle die Energie der Menge und versuche sie zurückzugeben, um eine Gemeinschaft zu bilden.“

Quelle: Wikipedia.de

Leona Lewis

Im Wirbelwind der medialen Reizüberflutung des 21. Jahrhundert gelingt es nur wenigen Menschen, die Zeit für einen Moment anzuhalten und die Aufmerksamkeit einer ganzen Nation zu fesseln – wenigstens für die Dauer eines Popsongs. Die britische Fernsehnation erlebte mit Ausnahmetalent Leona Lewis Ende 2006 gleich mehrere solcher Augenblicke.

Die Sängerin galt von Anfang an als haushohe Favoritin der enorm populären TV-Talentshow „The X Factor“. Ihre Auftritte lösten Woche für Woche begeisterte Reaktionen bei Zuschauern und Presse aus und Ende 2006 ging sie als Gewinnerin aus dem Gesangswettbewerb hervor.

Mit ihren gerade mal 22 Jahren verfügt Leona bereits über eine unglaublich facettenreiche Stimme mit hohem Wiedererkennungswert. Mal klingt sie kraftvoll – und im nächsten Moment zurückhaltend, mal singt sie mit herzergreifender Eindringlichkeit – dann wieder leicht und verspielt. Allen Beobachtern war von Anfang an klar, dass die bildhübsche junge Frau aus Hackney, East London, keine gewöhnliche Talentshowteilnehmerin ist. Nach ihrem Sieg veröffentlichte sie im Dezember 2006 ihre Debütsingle „A Moment Like This“, die in der Weihnachtswoche prompt auf Platz eins der UK-Verkaufscharts schoss. Die Single brach mit 50.000 Downloads in der ersten halben Stunde alle Download-Rekorde und verkaufte sich allein in der ersten Woche 600.000 Mal. Keine Solokünstlerin vorher hat mit ihrer Debütsingle mehr Einheiten verkauft als der junge Shootingstar.

Leona Lewis hat in den auf den Triumph folgenden Monaten nichts überstürzt. Ein echter Superstar hat alle Zeit der Welt und braucht weder hektische Folgeveröffentlichungen noch überkandidelte TV-Gastauftritte, um seinen Fans in Erinnerung zu bleiben. Ihr Debütalbum nahm sie in London, Atlanta, Miami und Los Angeles mit einigen der besten internationalen Produzenten auf.

Leonas bescheidene Art hat Millionen von Fans vom ersten Tag an fasziniert und wenn sie aufzählt, wer an der Produktion ihres Albums beteiligt war, dann klingt das, als spräche sie über ein paar nette alte Freunde. „Wir haben in London mir Steve Mac aufgenommen“, sagt sie. Mac ist ein britischer Top-Produzent, der vorher mit Kelly Clarkson und Mariah Carey gearbeitet hat. „In Atlanta haben wir mit Dallas Austin gearbeitet und in Los Angeles mit Soulshock und Carlin und mit Jam und Lewis. In Miami trafen wir Walter Afanasieff und Salaam Remi. Sein Studio ist toll. Es ist oben auf dem Dach, direkt neben dem Pool. Vom vielen Sonnen zwischen den Takes habe ich einen ganz schönen Sonnebrand bekommen.“

Leonas Produzenten haben mit den wichtigsten Soul- und Pop-Künstlern der vergangenen Jahrzehnte gearbeitet, darunter Aretha Franklin, Michael und Janet Jackson, TLC, Destiny’s Child, Fugees, Usher, Mariah Carey, Whitney Houston und Amy Winehouse. Lewis traf außerdem Diane Warren, eine der renommiertesten US-Songschreiberinnen, um mit ihr an neuem Material zu arbeiten.

Als ausführender Produzent war neben X-Factor-Macher Simon Cowell auch Branchenlegende Clive Davis beteiligt. Beide ließen Leona Lewis die Zeit und die künstlerische Freiheit, die sie brauchte, um das Beste aus sich herauszuholen. Ein absoluter Glücksfall für die junge Künstlerin.

„Ich wurde immer als eigenständige Persönlichkeit behandelt“, erzählt sie. „Es gab keinerlei verbindliche Vorgaben. Ich konnte meinen eigenen Stil finden und Simon und Clive haben mir zugehört. Es kommt selten vor, dass eine Nachwuchskünstlerin soviel Zeit für eine nachhaltige Entwicklung bekommt. Und ich bin auch noch einem Talentwettbewerb entsprungen! Ich habe das große Los gezogen, das ist mir klar.“

Leona Lewis ist sympathisch und auf dem Boden geblieben und wenn sie nicht gerade ihre grandiose Stimme vorführt, ist sie entwaffnend schüchtern. Aber sie weiß, was sie kann und sie glaubt an sich.

„Simon hat mir geraten, immer meinem Instinkt zu folgen und mir treu zu bleiben. Clive hat genau das gleiche gesagt. Ich wollte immer tolle Lieder singen und jetzt habe ich so viele davon zur Auswahl. Die Stücke auf dem Album sind klassisch, aber mit einer modernen Note. Es gibt ein paar Balladen und einige Uptempo-Songs. Ich habe herum experimentiert und die jüngeren Produzenten, mit denen wir gearbeitet haben, wie z.B. Fernando haben coole Achtziger-Jahre-Elektro-Sounds beigesteuert. Es ist mir wichtig, dass alle Songs gut sind und nicht nur auf trendigen Sounds basieren. Songs müssen auch akustisch funktionieren. Ich habe früher viele akustische Auftritte gespielt. Ich mag Stücke, die auch dann noch toll klingen, wenn sie auf das allernötigste reduziert sind.“

Leona Lewis steht felsenfest hinter jedem einzelnen Albumtrack. Zum Schluss sind auch noch Stücke mit Ne-Yo und Billy Steinberg (schrieb u.a. „Like A Virgin“ und „Eternal Flame“) dazugekommen.

„Ich komme direkt von den letzten Aufnahmen in New York”, strahlt sie und ihre Stimme klingt stolz und aufgeregt. „Wir hatten so viele Songs, es ist wirklich nicht einfach zu entscheiden, was am Ende auf das Album kommt. Clive, Simon und ich legen das zusammen fest. Es gibt eigenwillige Momente und dann wieder Stücke, zu denen kannst du die Haarbürste zur Hand nehmen, dich vor den Badezimmerspiegel stellen und singen.“

Obwohl Leona Lewis meistens hart arbeitet und alles andere als ein fremd gesteuertes Modepüppchen ist, genießt sie auch die glamourösen Seiten des Erfolges. Neue Promo-Aufnahmen zeigen Leona stylisch und wunderschön am Strand von Kalifornien.

„Das hat Spaß gemacht”, kichert sie. „Das ist wie Prinzessin spielen. Ich freue mich schon auf das Video und auf die Aufnahmen für das Album-Artwork. Ich will noch mal an den Strand und Glitzer-Klamotten anziehen.“

Die erste Single vom neuen Album ist das großartige „Bleeding Love”. Denken Sie an die Achtziger Jahre, an Prince, der die Popmusik in eine neue Dimension katapultierte, fügen Sie den Gesang einer cooleren Mariah Carey hinzu und Sie bekommen eine ungefähre Idee, was Sie erwartet.

„Das Stück wurde mit Ryan Tedder von One Republic geschrieben“, sagt Leona, die wie immer gerne bereit ist, über ihre Musik zu sprechen. „Das ist eine Rockband, aber da sind auch Elemente von Prince drin, Ryan hat mit Timbaland gearbeitet, er hat viele Facetten. Es ist ein Liebeslied, aber man kann es auch für seinen festen Freund singen – oder einen guten Freund. Es geht darum, immer für den anderen da zu sein.“ Ryan Tedder aus Los Angeles gilt als einer der talentiertesten jungen Produzenten und hat auch schon mit Jennifer Lopez, Mary J Blige und Natasha Bedingfield gearbeitet.

„Mein Album ist ehrlich und aufrichtig”, sagt Leona abschließend. „Jeder, der mit mir gearbeitet hat, soll auf dieses Album stolz sein. Ich will mich lange in diesem Geschäft behaupten. Die Leute können ruhig überrascht sein. Ich habe mich selbst überrascht.“

Rihanna

Die Behauptung, das Jahr 2005 sei für die auf Barbados geborene Sängerin Rihanna ein besonders ereignisreiches und lehrreiches gewesen, grenzt an Untertreibung. Denn nicht nur hat die hübsche Sängerin mit dem hypnotischen „Pon De Replay“ – dessen Bass gleichermaßen aus unzähligen Autos dröhnte und reihenweise Barbecues in Partys verwandelte – eine der beliebtesten Singles des vergangenen Jahres aufgenommen; auch ihre exotische Persönlichkeit wusste die Massen zu begeistern.

„So viele Dinge sind geschehen, dass ich manchmal den Eindruck habe, ich bin in nur einem Jahr um fünf Jahre gereift“, erklärte sie kürzlich. Bereits als Def Jam Records Rihannas Debütalbum Music of the Sun veröffentlichte, stand fest, dass sie mehr sein würde als ein weiteres, x-beliebiges One-Hit-Wonder. Mit einer Herangehensweise, die an Motown-Künstlerinnen aus den guten alten Soul-Heydays erinnert, hat Rihanna im Handumdrehen die ganze Welt bereist.

Im vergangenen Jahr konnte man gleichermaßen miterleben, wie Rihanna mit Gwen Stefani überdimensionale Bühnen rockte, wie sie in Japan Konzert-Venues förmlich aus den Angeln hob, in Los Angeles für Cover-Fotos posierte, und letztlich mit einer Rolle in Bring It On Yet Again (Girls United III) sogar ihr Filmdebüt gab. Mit dem ruhigen Leben, das sie einst in der St. Michael-Gemeinde auf Barbados geführt hatte, hatte das sicher nicht mehr viel gemein. Robyn Rihanna Fenty hat ihren Einstieg in die Musikwelt jedoch unversehrt überstanden. Heute ist sie laut eigener Aussage bereit für all das, was ihr dieses Jahr bringen mag –, denn sie steht bereits mit ihrem Nachfolgealbum in den Startlöchern: A Girl Like Me.

„Ich bin letztes Jahr so viel reifer geworden. Alles geschah einfach so: Ich hatte meine Familie mit deren Unterstützung verlassen, um in die Staaten zu ziehen und dort meine Träume zu verwirklichen. Zuerst fühlte es sich ganz schön unheimlich an, ohne Freunde oder Familienangehörige, also ganz alleine ein Studio zu betreten“, erinnert sich Rihanna heute.

„Das Jahr 2005 hat mir gezeigt, wie wichtig Hingabe und die Bereitschaft, Verantwortung zu übernehmen sind, wenn man seine Träume verwirklichen will. Um fünf Uhr morgens aufstehen, sofort zur Probe, dann das Training, Hausaufgaben, Interviews, Video-Drehs, nie einen Tag frei – all das wirkte immer so glamourös, aber letztlich ist es doch harte Arbeit. Das habe ich gelernt. Meine Liebe zur Musik wird immer gleich stark bleiben – aber jenen Blick durch die rosarote Brille, den ich früher hatte, den habe ich inzwischen teilweise abgelegt.“

„Oft kam es im vergangenen Jahr vor, dass ich einzig von Älteren umgeben war. Niemand in meinem Alter war mit mir unterwegs. Als ich dann anfing, am neuen Album zu arbeiten, wollte ich, dass es sich so anfühlt, als ob ich mich mit Gleichaltrigen unterhalte“, erzählt die 18-jährige Sängerin. „Viele Leute denken, dass man, nur weil man noch jünger ist, noch keine komplexen Gefühle haben kann. Doch das stimmt einfach nicht. Wir setzen uns genauso mit dem Leben, der Liebe und mit gebrochenen Herzen auseinander – genau wie eine ältere Frau es tun würde. Mein Ziel war es, für A Girl Like Me Songs zu schreiben, in denen diejenigen Gefühle von jungen Frauen artikuliert werden, die andere oftmals nicht aussprechen können.“

So hat sich Rihanna aus ihren harmonischen Höhenflügen direkt auf die Tanzfläche fallen lassen und kehrt mit einer Single zurück, die wiederum dafür sorgen wird, dass DJs allerorts angebettelt werden, den Song doch noch einmal zu spielen. Denn das von Jason Rotem produzierte, siedend heiße „S.O.S.“ wird den diesjährigen Sommer schon im Frühjahr einläuten. Eine Mischung aus einem hypnotischen Beat und einer verführerischen Melodie, bedient sich „S.O.S.“ bei dem Soft-Cell-Klassiker „Tainted Love“, nur um auf diesem Elektro-Fundament eine Soul-Hymne entstehen zu lassen, die von der Liebe handelt.

„Schon beim ersten Anhören des Tracks war ich vollkommen sprachlos, und drei Tage später machten wir bereits die ersten Aufnahmen“, erzählt Rihanna. Der atemberaubende Sound von „S.O.S.“ wurde im Handumdrehen als Song für den Launch der neusten Nike-Women’s-Kollektion auserwählt – das Video ist unter NikeWomen.com zu finden. „Die Arbeit an diesem Werbespot war ebenfalls eine gänzlich neue Erfahrung“, berichtet sie. „Wir haben ganze sechs Tage gedreht –, doch die Arbeit mit dem Choreographen Jamie King (Madonna und Shakira) war einfach unfassbar.“

Mit dem Ziel, sich als Künstlerin weiter zu entwickeln, hat Rihanna zudem einen unwiderstehlichen Herzschmerz-Song namens „Unfaithful“ aufgenommen. Von ihrem Labelkollegen Ne-Yo und Stargate geschrieben, erzählt „Unfaithful“ die tragische Geschichte einer Beziehung, die von Seitensprüngen zerrüttet wird.

Doch ist es in diesem Fall die Frau, die fremdgeht. „Es gibt so viele Songs, in denen Männer vom Fremdgehen berichten. Sie reden in der Regel so darüber, als ob das alles ein einziges Spiel wäre. `Unfaithful´ jedoch handelt nicht nur davon, wie es ist, seinen Typen zu betrügen. Es geht um den Schmerz, der für beide Seiten damit einhergeht.“

Der wohl überraschendste Track ist die Mischung aus Rock und Exotischem, die „Kisses Don’t Lie“ ausmacht. Evan Rogers und Carl Sturken, die Leiter ihrer eigenen Produktionsfirma SRP, benutzten in diesem Fall eine Kombination aus karibischen Elementen, E-Gitarren-Riffs und einer fesselnden Bassline: „Auf Barbados war ich nie wirklich mit Rockmusik in Kontakt gekommen“, gesteht Rihanna. „Doch die Tour mit Gwen hat meine Einstellung dazu auf den Kopf gestellt. So kam es, dass ich, als ich gerade mit L.A. Reid, dem Vorsitzenden von Def Jam, über meine Pläne fürs Album sprach, von vornherein klarstellte, dass ich auch mit Rock-Elementen herumexperimentieren wollte.“

Während der Aufnahmen, die zu A Girl Like Me führten, brach Rihanna zudem kurzerhand nach Jamaika auf, um gemeinsam mit Sean Paul das Duett „Break It Off“ einzusingen. „Ich liebe Sean Pauls Musik“, erzählt Rihanna mit einem Lächeln auf den Lippen. „Bevor wir gemeinsam ins Studio gingen, nahm er mich mit ins Bob Marley-Museum. Das war perfekt, um in die richtige Stimmung für die Aufnahmen zu kommen. Als wir schließlich am Mikrofon standen, hatte ich das Gefühl, dass Marleys Geist uns im Studio zur Seite stand.“

Die hübsche Sängerin untermauert mit “A Girl Like Me ein” weiteres Mal, dass ihr Debüt keinesfalls eine Eintagsfliege war. Nachdem sie schon mit ihrem Vorgängeralbum Music Of The Sun über eine Million Alben verkauft hat, wird Rihanna auch den kommenden Sommer dominieren.

Alex C. Feat Yass

Ein unbeschriebenes Blatt ist er mit Sicherheit nicht – Alex Christensen – DJ, Produzent, Komponist, BMI- und Echo-Gewinner.

Mit seiner bahnbrechenden Idee, den Titel „Das Boot“ als Techno-Version zu produzieren, hat Alex C. im Jahre 1991 einen entscheidenden Anteil an der Entwicklung der Techno-Musik-Szene beigetragen. Techno wurde sogar Chart-kompatibel. Der Titel war in mehr als 22 Ländern Platz 1 der Charts, ebenfalls 13 Wochen Platz 1 der deutschen Charts (die bis dahin zweitlängste Platz-1-Position). Mit U96 verkaufte er mehr als 15 Millionen Schallplatten, in dem Film „Cyberman“ wirkte er neben Christina Applegate und James Marshall in einer Nebenrolle mit.

Alex Christensen legt neben DJ-Idolen wie Sven Väth, Westbam und Moby in der ganzen Welt auf. Seit den 90er-Jahren bis heute produzierte er Künstler wie Right Said Fred, Marky Mark, Jose Carreras, N’Sync, U96, ATC, Sarah Brightman, Natasha Thomas, Rollergirl, Yvonne Catterfeld, Ben und Kate Hall und Lukas Hilbert.

Nach dem Nummer 1 Hit „Du hast den schönsten Arsch der Welt“ und Album „Euphorie“ ist Alex C seinem Stil treu geblieben Dance-Songs mit deutschen Texten zu komponieren und produzieren.  Alex C feat. Yass sind hiermit nicht nur in Deutschland sondern auch im europäischen Ausland erfolgreich. „Du hast den schönsten Arsch der Welt“  hat u.a. in Polen bei dem SOPOT Festival den 2. Platz erreicht und das mit einem deutschsprachigen Titel.  In den deutschen Klingelton-Charts war Alex C monatelang unter den TOP5.

Der neue Trend, deutsche Texte mit Eurodance-Musik zu kombinieren, hat sich als erfolgreich bewiesen. Wieder ein neuer Trend der von Alex Christensen entwickelt wurde.

Alex C ist in ganz Europa als DJ auf Tour und hat – unabhängig von den neuen Produktionen für sein Produkt – auch noch das Album von Fady Maalouf, das auf Platz 2 in die deutschen Charts eingestiegen ist, produziert.

Am 28.11.2008 kommt endlich die neue Single „Liebe zu dritt“ von Alex C. feat. Yass aus dem kommenden Album „Tabu“.  Das Video zu „Liebe zu dritt “ setzt wieder neue Maßstäbe und man erwartet gespannt, welche neuen Ideen auf dem Album noch verwirklicht worden sind.

Peter Fox

Orchester mit Sahne. Was der deutschen Popmusik bisher gefehlt hat.

Ein Besuch bei Peter Fox im Studio von Marcus Staiger

In einer Szene auf seiner letzten DVD sitzt ein berühmter US-Musiker in seinem Privatflugzeug auf dem Weg nach Miami, ins Studio eines genauso berühmten Produzenten und beginnt über die Vorzüge seines Berufs zu reden. Natürlich denkt man sofort, dass nun das übliche Geschwätz über Geld und Reichtum kommt. Yachten hier, Autos dort, Privatflugzeug bla,bla. Doch dann sagt der Herr etwas ganz Erstaunliches. Er sagt: „Das größte Privileg in meinem Beruf ist es, mit Menschen zusammen arbeiten zu dürfen, die jeden Tag kreativ sind.“
Auch wenn ich nicht im entferntesten Jay Z heiße, so bin ich doch froh, dieses Privileg ebenfalls zu haben.

Ich treffe Peter Fox in seinem Studio in einem Kreuzberger Hinterhof. Billardsalon, Kampfsportschule. Alles genau so, wie man es sich vorstellt. Peter kommt mit dem Fahrrad. Wie auch sonst? Wir betreten das Studio. Die Luft steht. „Hast Du geheizt?“. Nein. Die Klimaanlage ist nicht an und die Geräte produzieren so viel Wärme. „Zu viel heiße Musik, wa?“ Ich erspare uns den Kalauer und wir setzen uns vor dem riesigen Regiepult gegenüber. Es beginnt ein langes Gespräch, das von den Anfängen einer 11-köpfigen Kapelle, einer Jugend in Lichterfelde West, verlorener Liebe und viel von Musik handelt.

Peter erzählt mir die Geschichte, dass er eigentlich kein Soloalbum machen, sondern ein Album für eine andere Stimme produzieren wollte. „Ich sehe mich in erster Linie als Produzent. Ich singe eigentlich nur aus der Not heraus, weil damals kein anderer singen wollte. Du kennst das ja. Frauen wollen immer singen und ans Mikrophon. Männer wollen immer Schlagzeug, Gitarre oder Bass spielen. Zumindest bei uns war das so. Später merkte ich, dass Singen bei den Bräuten sehr gut ankommt und dann fand ich’s natürlich auch geil.“ Aber so richtig? – Stets war der Gesang Mittel zum Zweck, immer ein bisschen hinten dran und während Peter seine Beats für Ferrari hält, dachte er von seiner Stimme und den Lyrics eher VW.
Also begab er sich auf die Suche nach einer Ferrari Stimme. Gefunden im amerikanischen Rap-Sing-Irgendwas Genie Cee-Lo Green. Zu diesem bestand reger und herzlicher Kontakt, seit Cee-Lo vor 2 Jahren einen Part beim Song „Aufstehn“ von Seeed beigesteuert hat.

„Cee-Lo hatte auf jeden Fall Bock was zu machen“, doch was dann folgte könnte als eine der schönsten Anekdoten in die Musikgeschichte eingehen. Cee-Lo Green war ein bisschen beschäftigt und erklärte: „Ok. Ich habe hier noch ein Projekt mit Danger Mouse am Laufen, aber danach habe ich auf jeden Fall Zeit und dann können wir das Album machen.“ Daraus wurde nichts. Das Projekt mit Danger Mouse nannte sich Gnarls Barkley und einen Welthit später sah die Welt ganz anders aus.
Der Produzent aus Germany war zwar nicht in Vergessenheit geraten, aber das kleine Projekt von Cee-Lo Green und Danger Mouse wurde zum weltweit gefeierten Exportartikel und Gnarls Barkley zu Superstars. Tja. So kann’s gehen.

Plötzlich war also die Ferrari Stimme weg und weil ein Ersatz nicht wirklich in Sicht war, dachte sich Peter: „Ok wenn schon VW Stimme, dann wenigstens meine eigene.“ Und ab da kam das Projekt erst richtig in Fahrt.

2 Schlagzeuger wurden in einer dreiwöchigen Megasession in einem Studio in Frankreich aufgenommen, weil es nicht zur Debatte stand, irgendwelche Drumsounds zu samplen, sondern ein eigener Sound kreiert werden sollte.

Syntheziser waren auch verboten. Orchester war die Ansage. Es wurden eigene Melodien und Streicher-Riffs entworfen aber auch hunderte von alten Platten unter die Lupe genommen und DJ Illvibe forschte nach verborgenen Schnipseln, Streichersätzen und Bläsergruppen, die dann wiederum als Grundlage für einen Arrangeur dienten, der das Ganze umschrieb, um es vom Babelsberger Filmorchester einspielen zu lassen. Die Messlatte lag hoch.

Peter tat sich mit einem Co-Texter (Monk) zusammen, mit dem er sich gedankliche Bälle zuwarf, der ihn korrigierte und dem er auch – was bei ihm selten ist – stilistisches Vertrauen entgegen brachte. Wo es früher reichte, dass eine Text-Zeile von drei richtig gut sein musste, so wurde jetzt über ein Jahr an den Texten gefeilt, bis diese auch wirklich für sich stehen konnten. Die Ansprüche waren gestiegen.

Das Ziel war klar. Das Album sollte krachen und knallen. Keine halben Sachen. Erstklassig produziert. Selbstverständlich mit Pathos. Ohne Peinlichkeiten. Alles neu für deutsche Musik.
Dafür war kein Aufwand zu groß und nichts zu teuer. Schließlich hat Peter Fox alles vorgestreckt und selbst bezahlt. Die ganze Produktion. – Warum? – „Ich habe mit Seeed Geld verdient. Und weil ich jetzt nicht so den krassen Lifestyle habe, war davon auch noch ein bisschen was übrig. Meine Musik ist das einzige, von dem ich denke, dass mein Geld da gut angelegt ist. Und deshalb habe ich das gemacht.“

Musikproduktion als Geldanlage? – Ansonsten eine wackelige Angelegenheit. In diesem Fall und mit diesem Album aber eine gute Wahl.  – Eine sehr gute Wahl. Yeah!

Quelle: www.peterfox.de

Kate Hall

„Die letzte Träne“

Das faszinierende Strahlen ihrer Stimme, die Emotionalität in ihren Songs und ein Charisma, das die Hörer nicht unberührt lässt… Kate Hall erschafft Momente voller Atmosphäre und Seele und verzaubert mit einer kraftvollen Performance, die gleichzeitig Zartheit und Fragilität präsentiert. Mit „Die letzte Träne“ erscheint nun die neue Solo-Single der 25-jährigen. Einmal mehr unterstreicht Kate Hall eindrucksvoll, welche Energien sie mit ihrer kristallklaren sowie funkelnden Stimme freisetzen kann.
„Die letzte Träne“, ihre erste Solo-Single auf Deutsch, erzählt von dem Zurückfinden zur eigenen Stärke nach einem Abschied, einer Trennung und dem Schlussstrich einer Beziehung. Es geht um das Erwachen nach dem Schmerz.

„Jetzt fällt die letzte Träne auf ein leeres Blatt Papier. (…) / Ich blick auf die letzte Träne / neugeboren und lebe / Ich wisch sie weg / die letzte Träne“.

Nachdem Kate Hall im Jahre 2005 mit „Is There Anybody Out There?“ und „Gods Gift“ die deutschen Charts eroberte, ging sie 2008 mit dem Berliner Sänger Ben, ins Studio und nahm das gemeinsame Album „Von beiden Seiten“ – mit allen Songs auf deutsch! – auf. Die gebürtige Engländerin wuchs in Dänemark auf und hatte dort neben ihrer Musikkarriere auch fürs Fernsehen, Radio und als Model gearbeitet. Nach ihrem gemeinsamen Album mit Ben, das im Frühjahr dieses Jahres erschien, ist Kate Hall zurzeit als Vocal-Coach für die neue Staffel von der Pro7-Show „Popstars – Just 4 Girls“ im Einsatz. Sie selbst startete ihre Gesangsausbildung bereits im Alter von 12 Jahren.

Mit ihrer neuen Solo-Single „Die letzte Träne“ zeigt Kate Hall, dass sie zweifelsfrei zu den eindrucksvollsten Sängerinnen im Land gehört. Multitalent, Kosmopolitin und bezaubernde Geschichtenerzählerin – wer kann dieser Mischung schon widerstehen?

Fettes Brot

1992: Bandgründung
Damals noch fuenf (!) Vorstadt – Gymnasiasten aus dem Hamburger Umland (Pinneberg, Halstenbek, Schenefeld!) gruenden Fettes Brot. Mighty und Tobi Tobsen (spaeter bei den Kollegen “Fuenf Sterne Deluxe”) verlassen die Band vor dem Welterfolg. Uebrig bleiben (mit spaeter gerne wechselnden Pseudonymen): Doc Renz, Schiffmeister, Koenig Boris.
Um die Namensgebung ranken sich Mythen. Die wahre Geschichte liegt irgendwo dazwischen.

1993: Anfaenge
Das erste Demotape und der der erste Samplerbeitrag werden zusammengekloppt. Werkzeuge der Musikkunst: Mikrofon und Kassettendeck. Der erste Auftritt: Jam in Elmshorn zusammen mit den Absoluten Beginnern und Such a Surge.
.. und der erste Plattenvertrag: das (noch) kleine Hamburger Hip-Hop Label Yo Mama nimmt Fettes Brot unter Vertrag. Ab ins Studio.

1994: Definition von Fett
Das erste Mal: Die Single “Definition von Fett” samt Video und die EP “Mitschnacker”erscheinen.

1995: Nordisch by Nature
Fettes Brot geht auf die legendaere “Klasse von 95″-Tour mit den Kollegen Main Concept, Massive Toene, ZM Jay, MC Rene, F.A.B., Der Tobi & Das Bo. Das erste Album “Auf einem Auge bloed (…aber der Erfolg gibt uns Recht)” erscheint und bleibt 26 Wochen in den Charts. Im Juli erscheint als dritte Auskopplung die Disco-Peitsche “Nordisch By Nature”. Die Single beschert der Band die unerwartete Ehre eines Top 20 Hits – Hoechstplazierung 17!”Nordisch” muss sterben und wird von Fettes Brot vom Markt genommen, um nicht als plattdeutsche Quatsch-Combo in die Annalen einzugehen – mit Traueranzeigen in allen Musikmagazinen.

1996: Jein
Das zweite Album “Aussen Top Hits, innen Geschmack” (Top 10) beweist, dass zweite Alben entgegen aller Unkenrufe zum Erfolg verdammt sein koennen, wenn sie von einer Band wie Fettes Brot stammen. Die Hitsingle “Jein” (Top 10) beisst sich ein halbes Jahr in den Charts fest. Fettes Brot geht auf “Spiel mir das Lied vom Brot-Tour”. Im Vorprogramm: Blumentopf und Massive Toene.
1997: Dazwischen
Fettes Brot macht im Sommer die Festivals unsicher und hinterlaesst bleibende Eindruecke. Klausur im Studio – Aufnahmen fuers naechste Album!
1998: Fettes Brot laesst gruessen
Das Album “Fettes Brot laesst gruessen” erscheint (Charts: Top 10, 15 Wochen in den Charts), mit u.a. den Gaesten Tocotronic und Heinz Strunk. Fettes Brot beschert uns Dauerbrenner wie “Koennen diese Augen luegen” und “Viele Wege fuehren nach Rom”, aber diesmal keinen Jahrhundert-Hit. Fettes Brot geht auf “Die harte Tour”, Support: eins, zwo.
1999: Fettes Brot und James Last
Der “Gentleman der Musik” und Big Band Leader James Last gibt sich die Ehre und verbuendet sich mit Fettes Brot für die Single “Ruf mich an”. Bizarres Highlight des Jahres: Auftritt in der Londoner Royal Albert Hall vor tausenden James Last-Fans.
2000: Da draussen
Fettes Brot ist nicht faul und schnuert ein dickes Paket (2CD/4fach LP) mit B-Seiten, Remixen, neuen Tracks und rarem Zeugs und nennt es: “Fettes Brot fuer die Welt”. Charts: Top 10.
2001: Schwule Maedchen
Das Album “Demotape” (Top Ten) erscheint mit den Hits “Schwule Maedchen” (Top Ten) und “The Grosser”. Die Elektro-Punk Peitsche “Schwule Maedchen” (das Stagediving- und Headbanger-Video wurde spaeter erfolgreich von Rosenstolz und in der Deowerbung kopiert…) wird sogar in London ein kleiner Clubhit. Fettes Brot geht auf “Schlechtwetterfront”- Tour mit Heinz Strunk als Conferencier und Musiker am Saxophon.
2002: 10 Jahre Ohrenbluten
Fettes Brot goennt sich einen Rueckblick mit der DVD/CD “Amnesie – 16 Singles und Videos gegen das Vergessen” – mit allen 16 Singles und Videos aus 10 Jahren Bandgeschichte!
2003: Gute Laune Hoelle vs. die Aerzte
Eine Premiere: Fettes Brot geht das erste Mal mit kompletter Band (”Die Herren”) auf Tour. Ende des Jahres begeben sich FB + Die Herren “Jenseits der Grenze des Zumutbaren” und begleiten die aerzte auf der gleichnamigen Tour.
2004: Fettes Brot Schallplatten
Fettes Brot goes Indie und gruendet eine eigene Plattenfirma und spitzt die Sporen fuers neue Album.
2005: Am Wasser gebaut
Fettes Brot brennt durch: mit der Labelgruendung stehen die Zeichen offenbar auf DURCHTRETEN. Das Jahr beginnt fabelhaft mit der erfolgreichsten Single in der Bandgeschichte – “Emanuela” raeumt ab und vertreibt beinahe “Schnappi” vom Chartsthron. Die Fakten: Gold in Deutschland, Gold in Oesterreich, Platz 3 in Deutschland, Platz 1 in Oesterreich, 10 Wochen Top 5, 23 Wochen in den Charts, Comet-Auszeichnung fuer den “Song des Jahres 2005″. Das geht doch?
Und Fettes Brot legt nach: auch das Album “Am Wasser gebaut” geht “Gold”. Charts: Platz 4 (38 Wochen in den Charts). Auch die zweite Single “An Tagen wie diesen” wird ein Top 10-Hit, der eine halbes Jahr in den Charts bleibt.
Fettes Brot stellt eine neue Band zusammen (u.a. mit Finkenauer, J-Luv und DJ exel.Pauly) und tourt, tourt tourt.
Der Tourabschluss wird mit Gaesten (z.B. Smudo, dem FC St. Pauli, Far East Band, Jean und Mark von Wir Sind Helden, Heinz Strunk) in der ausverkauften ColorLine Arena Hamburg mit fast 15.000 Fans gefeiert und bundesweit von MTV und zahlreichen Radiosendern live uebertragen.
2006: Soll das alles sein?
Das Jahr beginnt schoen mit einem “Echo” fuer Fettes Brot. Fettes Brot versuesst sich und den Fans die Wartezeit zum naechsten Album mit 3 neuen Singles, zahllosen Festivalauftritten mit neuer, 10 köpfiger Band (alle Hits werden – mal wieder – in komplett umgekrempelten Versionen praesentiert) und dem ersten Signing auf FBS Fettes Brot Schallplatten: der Punkcombo “d.o.c.h.!” Nach grossartiger Videorotation, Auftritten bei MTV RTL, der Bravo Supershow und grossem Presseecho (u.a. Foto-Homestory in der BRAVO!) entlarvt Fettes Brot die Band als Rock’n Roll Schwindel: hinter d.o.c.h.! stecken natuerlich unsere Superhelden im Punk-Gewand.
NACH der WM erscheint die ultimative Fussballhymne mit den Gastsaengern Bela B. (die aerzte), Marcus Wiebusch (Kettcar), Carsten Friedrichs (Superpunk): “Fussball ist immer noch wichtig”.
2007: Auftrittspause und Albumproduktion
Nach zwei Jahren unermuedlichen Tourens verordnet sich die Top Old Boy Group der hiesigen Rap Musik eine längere Auftrittspause. Nahezu eine Million Zuschauer sahen Fettes Brot seit dem Erscheinen der letzten Platte “Am Wasser gebaut” live auf Konzert- und Festivalbuehnen. Die Band ist in der Zwischenzeit aber nicht etwa untaetig, sondern nimmt im eigenen Hamburger Studio ihr neues Album auf. “Nebenbei” arbeitet man an ausgewaehlten Remixen für Lieblingskuenstler wie Amy Winehouse.
Als Band in Fußballteamgröße stellt Gruppe FB im Rahmen einer ausverkauften Inkognito-Blitz-Clubtournee unter dem Namen BETTE FROST Ende des Jahres exklusiv DAS NEUE ALBUM vor! Monate, bevor es in den Läden stehen und im Äther schwirren wird.
2008: “Bettina…” und “Strom und Drang”
Wir schreiben das Jahr 2008. Das ganze Leben ist eine FKK-Quizshow. Und wir sind nur die gaffenden, impotenten Pornodarsteller. Gruppe Fettes Brot kehrt nach anderthalb Jahren Meditation in die Wirklichkeit zurück und mischt sich keusch bekleidet (mit so was wie Justin Timberlakes “Dick In A Box”*) unter die Nackten. Sie singen:
Bettina! pack deine Brüste ein!
Bettina! zieh dir bitte etwas an!!
Es ist genug jetzt. Die Kinder der Generation Oversexed und Underfucked kriegen eine überfällige Hymne untergeschoben. Eine Anti-Ode auf die hohlen, hungrigen Körper von Millionen, ein trojanisches Pony zur Wiederverzauberung von Sex und Liebe. In brüderlicher Union mit dem Berliner DJ- und Produzentenduo MODESELEKTOR** verüben die Puppie*** Rapper Fettes Brot lustvoll den Christoschen Verhüllungsakt am Menschen.
Es clickt und pumpt und fiept ein Beat, irgendwo zwischen New Rave Country und Timberländ. Nach dem Emanzipations-Stomper “Schwule Mädchen” und der Stolper-Soul-Polka “Emanuela” (nur der größte Download Hit des Jahres 2005!) das nächste Scary Pop- Meisterwerk einer Gruppe, die keine Angst hat, vorwärts zu gehen. Chartseinstieg: natürlich Platz 3!

Aus dem Album “Strom und Drang” (VÖ: 14.03.2008)

Electro Frankreich sagt: „We love Modeselektor!“ Ebenso Thom Yorke/Radiohead, Paul Smith/Maximo Park- und viele andere Kunden dieser beiden 0-1 Wizzards.
Halb moralische Hippies, halb no future Punks (sprich: Pappies)

Sido

Als erster Rapper hat er ihr eine richtige Stimme gegeben, die auch über die Grenzen des deutschen Sprechgesangs hinaus Hörer findet. Er polarisiert mit seinen Texten sowie seiner gesamten Art immer wieder aufs Neue.

Er ist Entertainer und Genie in Einem und heute gebühren ihm auch seine Kritiker den lange überfälligen Respekt. Seit 1997, als sido zusammen mit B-Tight die Crew Die Sekte gründet, ist das der Künstlername des Berliner Rappers. Mit 13 Jahren hat er angefangen zu rappen (”ich kann einfach nicht singen!”) um Bräute klar zu machen.

Mädchen in diesem Alter stehen halt auf Musiker. Der erste Song war ein Geburtstagslied, höchstpersönlich gerappt von sido. Geboren und aufgewachsen ist er im Märkischen Viertel in Berlin, hier hat er schon viel erlebt. Er weiß, was in einem sozialen Brennpunkt wie dem MV an der Tagesordnung steht. sido, B-Tight und Die Sekte.

Sie wollen rappen und zeigen, dass der bisherige Stil, deutschen HipHop zu machen, so gar nichts mit ihrer Vorstellung von Rap zu tun hat. Rap kommt von der Straße und nicht aus den Vorstadtvillen. Sie produzieren ihre Tracks auf der Playstation. Eine Fusion aus Techno und Electro-Sounds in bester Berliner Tradition verbunden mit harten, direkten Texten, die die soziale Realität im Plattenbau-Ghetto wiederspiegeln.

Die meisten HipHop Künstler schütteln nur den Kopf über die jungen MCs aus der Hauptstadt, die alle Regeln des altehrwürdigen HipHop aus den Angeln heben und für sich neu definieren. Aber während die deutsche HipHop-Szene sich diskutierend und kopfschüttelnd langsam dem eigenen Untergang entgegenneigt, die Verkaufszahlen einbrechen und das Publikum in Scharen abzieht, steigert sich die Popularität von Die Sekte enorm: In ihren Anfangsjahren können sie mit ihren Tapes insgesamt über 20.000 Einheiten im Selbstvertrieb unter die Menschen bringen. Kein Wunder also, dass das Berliner Untergrund Label Aggro Berlin schnell auf sido aufmerksam wird.

Mit einem Plattenvertrag und noch mehr Energie rennt sido seitdem die Barrieren der Industrie einfach nieder. Mit ersten Solotracks auf den Compilations “Ansage Nr. 1 & 2″ baut er seinen Ruf als Rettung des deutschen Raps aus. Das Crew Album “Alles ist die Sekte” (A.i.d.S.) landet auf Anhieb in den Top 10 der deutschen HipHop-Jahrescharts.

Und langsam aber sicher werden die Rufe nach einem ersten Solo-Album des Mannes mit der Maske, welche seit jener Zeit zu seinem Markenzeichen wird, lauter. Im April 2004 ist es dann endlich soweit. Mit dem Album “Maske” präsentiert sido “das erste Deutsche Rap-Album” (Rolling Stone, taz) und katapultiert deutschen HipHop in eine neue Hemisphäre. Mit seiner ersten Single-Auskopplung “Mein Block” stellt er die deutsche Musiklandschaft auf den Kopf, die bis dato geprägt ist von billigen Pop und nervigen Casting-Bands. “Mein Block”, im Übrigen auch der erste deutsche HipHop-Song bei Jamba, steigt in die Single-Charts auf Platz 33 ein und erreicht innerhalb von zwei Wochen die Top 20.

Sein Album bombt auf Platz 3 der Deutschen LP-Charts! sido schreibt mit Aggro Berlin einen einmaligen Erfolg – ein Independent Label samt Künstler hat es bis dato noch nie zu so einer hohen Chartplatzierung gebracht! Geld, Sex, Gewalt und Drogen machen es möglich! Und wer zu diesem Zeitpunkt glaubt, sido wäre einer dieser unzähligen One-Hit-Wonder, der sollte eines besseren belehrt werden. Der Maskenmann hat gerade erst angefangen!

Im Sommer 2004 wird sido offiziell für den COMET als “Newcomer National” nominiert und nimmt das Ding im September 2004 dann auch mit nach Hause. Im gleichen Monat erreicht seine Album “Maske” dann auch Goldstatus und das stopft nun auch dem letzten Kritiker das Maul. Leider können nicht alle die Texte des Maskenmannes richtig interpretieren und sehen in ihm die perfekte Möglichkeit, vom eigenen Versagen abzulenken und einen neuen Verantwortlichen zu finden, auf den man mit dem Finger zeigen kann.

Im Herbst 2005 wird das Album “Maske” aufgrund des Tracks “Endlich Wochenende”, der einigen die Wohnzimmeratmosphäre mit Blick auf den Vorgarten wohl zu zerficken droht, auf den Index gesetzt. Auch trotz heftigster Gegenwehr von Aggro Berlin und sido wird das Album vom Markt genommen und der Käufer muss sich seit dem mit einer X-Version begnügen. Der “Arschficksong” ersetzt das “Wochenende2 und die Herrschaften von der Prüfstelle können sich ihren Stock wieder in den Arsch stecken. Dennoch, sein Unterhaltungswert spricht sich schnell rum und so ist der Goldjunge ein gern gesehener Gast im deutschen TV.

Im Frühjahr 2005 nimmt sido dann am von Stefan Raab gegründeten “Bundesvision Song Contest” teil und holt mit einer Punkrock-Version seines Erfolgsongs “Mama ist Stolz” den dritten Platz. Im Herbst 2005 legt sido dann musikalisch weiter nach und kommt mit seinem Kumpel Harris, bekannt durch die legendäre Berliner HipHop-Crew Spezializtz, mit Deine Lieblings Rapper an den Start. Als kongeniales Duo präsentieren die beiden feinsten HipHop und machen die deutsche Festival- und Clublandschaft platt. Und auch hier wird am Erfolg angeknüpft. “Dein Lieblings Album” steigt auf Platz 2 der deutschen LP-Charts ein. Unglaublich tight, Alta! In der Folgezeit tritt sido ein wenig aus dem Rampenlicht zurück, ist dennoch mit Features oder aber auch auf dem goldenen Aggro Berlin Labelsampler “Ansage Nr. 5″ immer wieder textlich am Start.

Lady GaGa

Als Lady GaGa noch ein Kind war, schnappte sie sich immer ihren kleinen Spielzeug-Kassettenrecorder und sang die Hits von Michael Jackson und Cyndi Lauper mit, wenn ihr Vater sie nicht gerade zum Sound der Beatles oder der Stones durch die Luft wirbelte. Ansonsten tanzte die frühreife „Lady“ auch gerne in Nobelrestaurants an der Upper West Side auf den Tischen herum und verwandelte Knabberstangen dabei kurzerhand in Dirigentenstäbe. Außerdem war auffällig, dass sie sich neuen Babysittern jedes Mal so unschuldig wie selbstverständlich in ihrem Geburtstagsanzug präsentierte…
Bedenkt man diese Aspekte ihrer Kindheit, verwundert es kaum, dass sich das kleine Mädchen, das in einer wohl situierten New Yorker Familie mit italienischen Wurzeln aufwuchs, zu einem leicht exhibitionistisch veranlagten Multitalent und zu einer Singer/Songwriterin mit ausgeprägtem Hang zu schrillen Performances entwickelt hat, oder besser: zum Phänomen namens Lady GaGa.

„Ich war schon immer eine Entertainerin. Schon als kleines Mädchen habe ich mich andauernd in Szene gesetzt, und im Grunde genommen mache ich das auch heute noch“, setzt die 22-Jährige an, die sich mit ihrer Dance-Pop-Hymne „Beautiful Dirty Rich“ in der Clubszene der Lower East Side schon längst einen Namen gemacht hat. Nicht ganz unwichtig waren dabei ihre leicht ironischen „Shock Art“-Performances – die Bezeichnung spricht Bände –, in deren Rahmen sich GaGa, die ihre Bühnen-Outfits übrigens selbst anfertigt, nicht nur von ihrer wildesten Seite präsentierte, sondern ihre in Eigenarbeit gefertigten Hüllen auch nach und nach bis auf Hot-Pants und Bikini-Oberteil fallen ließ, ein paar Dosen Haarspray zu Feuerwerkszwecken einsetzte und schließlich eine lässige Pose einnahm, während die Discokugel langsam zu den Klängen von „A Clockwork Orange“ heruntergefahren wurde.
„Rock und Pop und Theater waren schon immer meine Welt. Als ich dann Queen und David Bowie entdeckte, machte das auch plötzlich vollkommen Sinn. An dem Punkt wurde mir nämlich klar, dass ich alle drei Bereiche miteinander kombinieren kann“, sagt GaGa, die sich ihren Künstlernamen übrigens von Queens „Radio Gaga“-Klassiker entliehen hat. Fragt man sie dann nach ihren Vorbildern in Sachen Fashion, nennt sie Peggy Bundy und Donatella Versace in einem Atemzug. „Sie alle sind meine Ikonen, meine Kunst-Ikonen. Denn es geht um mehr als nur um die Musik. Die Performance ist wichtig, die Haltung, der ganze Look – das alles gehört zusammen. Das ist die Welt, die mir als Künstlerin vorschwebt; das ist die Richtung, in die ich gehen will.“
Zwar klingen ihre Ziele nicht gerade bescheiden, aber ein flüchtiger Blick auf die Vita der 22-Jährigen genügt, um zu erkennen, dass sie definitiv das Zeug dazu hat: Schließlich hat Lady GaGa schon im zarten Alter von vier Jahren Klavierspielen gelernt – und zwar einzig und allein nach Gehör. Mit 13 hatte sie schon ihre erste Klavierballade komponiert. Als 14-Jährige trat sie dann abends bei Open-Mic-Veranstaltungen in Clubs wie dem „Bitter End“ auf, während ihre Klassenkameraden an der Convent of the Sacred Heart School (diejenige Privatschule, die auch Nicky und Paris Hilton besucht haben) sie tagsüber für ihren extravaganten und exzentrischen Style hänselten. Weitere drei Jahre später war sie eine von 20 auserwählten Teenagern, die schon vorzeitig an der Tisch School of the Arts (an der New York University) zugelassen wurden, obwohl sie noch gar nicht das nötige Alter erreicht hatten. Schließlich unterzeichnete sie noch vor ihrem 20. Geburtstag einen Vertrag und schrieb von nun an Songs für andere Popgrößen: u.a. für die Pussycat Dolls, doch hat Lady GaGa auch schon für diverse andere Interscope-Künstler komponiert. Betrachtet man also, was sie schon vor der Veröffentlichung ihres Debütalbums alles geschafft hat, klingen ihre Ziele plötzlich gar nicht mehr so abgehoben. Im Gegenteil: Sie klingen nahe liegend.
„Mein Ziel als Künstlerin ist es, ein Popalbum zu machen und es den Leuten auf vollkommen neuartige Weise zu präsentieren“, sagt GaGa weiterhin, die für „The Fame“ (Streamline/Interscope/KonLive), so der Titel ihrer Debüt-LP, sämtliche Texte und Melodien im Alleingang geschrieben und auch einen Großteil der Synthesizer-Parts selbst eingespielt hat.

„Man könnte fast sagen, dass ich die Leute mit einem wirklich coolen Ansatz ködern und in meine Popwelt zerren will. Ich präsentiere ihnen ein Stück Zucker, und dann ist da noch die Medizin – das bin ich.“
Dabei ist die Dosierung, die GaGa für „The Fame“ gewählt hat, genau genommen noch eine andere: Zwei Teile Dance-Pop auf einen Teil Electro-Pop und einen Teil Rock, diese Mischung in den Mixer, ein Schuss Disco und ein paar burleske Varieté-Elemente dazu und dann großzügig auf klangliche Martini-Gläser verteilen – fertig. Eine Mischung, die sofort ins Blut geht, die Hüfte in Bewegung setzt und schon bald zum einen oder anderen „Fame“-Gelage führen dürfte.
„Das Album handelt davon, wie sich heute jeder wie ein Star fühlen kann“, erklärt sie. „Popkultur ist Kunst. Man ist nicht automatisch cool, nur weil man Popkultur verabscheut, also habe ich mich voll und ganz darauf eingelassen, was man auch deutlich auf `The Fame´ hören kann. Es geht um Ruhm, aber um eine Art von Ruhm, die man mit anderen Menschen teilen kann. Jeder ist zu dieser Party eingeladen. Ich will ein Lebensgefühl mit den Leuten teilen; die Zuhörer sollen sich als Teil dieses Lifestyles fühlen.“

Schon das Eröffnungsstück des Albums, „Just Dance“, das auch als erste Single erscheint, zwingt einen mit „einem ausgelassenen Vibe, der nach einer Party in L.A. klingt“, auf die Tanzfläche. Ähnlich eingängig ist auch „Boys Boys Boys“, bei dem sich GaGa ihre klanglichen Vorbilder ganz offen auf die Fahne schreibt: „Ich wollte das Pendant zu `Girls Girls Girls´ von Mötley Crüe schreiben und dem Stück dabei meinen ganz persönlichen Stempel aufdrücken. Es sollte ein Popsong sein, auf den auch Rocker abgehen.“
„Beautiful Dirty Rich“ hingegen ist ein Bericht über die Phase ihrer Selbstfindung, über das Leben in der Lower East Side mit all den Partys und Drogenexperimenten. „Das war eine Phase, in der ich auf viele Fragen eine Antwort gesucht habe“, sagt GaGa. „Doch als ich dann zu dem Entschluss kam, mich auf die Musik zu konzentrieren, bemerkte ich schon sehr bald, dass sie mir viel mehr gibt als das ganze Partyleben.“ Der Song „Paparazzi“ klingt zunächst wie ein Liebeslied, das den Kameras und Blitzlichtern dieser Welt gewidmet ist, und auch GaGa gesteht lachend, „dass der Song in gewisser Hinsicht tatsächlich davon handelt, die Paparazzi zu umwerben und auf den Ruhm einfach nur scharf zu sein. Allerdings darf man diese Aussage nicht allzu ernst nehmen. Mir geht es letztlich darum, wie viele Menschen heutzutage von dieser Idee besessen sind. Und dann stelle ich in diesem Song die Frage, ob sich ein Leben im Blitzlichtgewitter mit einer funktionierenden Beziehung vereinen lässt –, oder ob man zwischen Erfolg und wahrer Liebe wählen muss.“
Ihren Hang zu seichteren Liebesliedern präsentiert GaGa zum Beispiel mit „Brown Eyes“, ein von Queen beeinflusstes Stück, und dem süßlich-direkten Trennungssong „Nothing I Can Say (Eh Eh)“. „Mit `Brown Eyes´ kehre ich meine verletzliche Seite nach außen“, erläutert sie. „Und `Eh Eh´ ist ein astreiner Popsong, der von der Suche nach einem neuen Freund handelt, nachdem man die letzte Beziehung beendet hat.“
Zwar hat Lady GaGa mit ihrem Auftritt beim Lollapalooza-Festival 2007 und ihrer im März 2008 absolvierten Performance bei der Winter Music Conference bereits für jede Menge Aufsehen gesorgt, doch plant sie für die kommende Tour eine leicht abgeänderte – sprich: ausgefeiltere – Bühnenshow: „Die neue Show ist, wenn man so will, die Haute-Couture-Version derjenigen Performance, die ich in den vergangenen Jahren in den New Yorker Clubs präsentiert habe. Insgesamt ist sie viel besser durchdacht, obwohl die zentralen Elemente – also die Discokugel, die Hot-Pants, der Pailletten-BH und hochhackige Schuhe – auch weiterhin zum Einsatz kommen werden. Nur ist die neue Show noch viel wilder und ausgefeilter; sie geht mehr in Richtung Pop-Performance-Kunst.“

Heutzutage sind Popmusiker, die den klassischen Weg gehen und sich aus eigener Kraft hocharbeiten, eher eine Seltenheit. Anstatt Auftritte in zwielichtigen Clubs zu absolvieren und die Promotion auf eigene Faust zu erledigen, versucht es jeder auf dem direkten Weg; so stammen viele Popstars inzwischen eher aus Casting-Shows, aus Vorabendserien oder schlichtweg aus Familien, die schon vorher berühmt waren. Lady GaGa ist die Ausnahme zu dieser Regel. „Ich habe die Dinge so angegangen, wie es sich gehört. Ich habe in jedem Club in ganz New York City auf der Bühne gestanden: zunächst waren es Reinfälle, dann konnte ich die Fans irgendwann für meine Show begeistern, und während ich diese Lektionen gelernt habe, fand ich als Künstlerin zu mir. Ich habe gelernt, wie man als Musikerin überleben und wie man sich treu bleiben kann – und wie man Rückschläge wegsteckt. Und dann habe ich gelernt, wer ich als Sängerin und Performerin sein will. Und die ganze Zeit über habe ich unglaublich hart an mir gearbeitet.“
Abschließend fügt Lady GaGa noch augenzwinkernd hinzu: „Und jetzt will ich einfach nur Schritt für Schritt die Welt verändern – und dabei eine Pailette nach der anderen freilegen.“

Jean Elan

Seinen Alltag im Großstadtdschungel Berlins empfindet er als paradiesisch, andere Hauptstädte mit hoher Beton- und Einwohnerdichte wären jedoch auch definitiv mehr als nur ein Wochenendtrip im Leben des Jean Elan wert.

Tägliches Asphaltfieber und der multikulturelle Melting-Pot inspirieren ihn konstant aufs Neue: Hier hat er als Verfasser einiger der erfolgreichsten House- und Dancetracks seine kreative Oase entdeckt.

Bei jedem Schritt schöpft er nicht nur existenziellen Atem sondern eben auch die berühmte vielbesungene Berliner Luft, die immer schon ein kleines bischen anders schnupperte als anderswo im Land. Richtig dufte sozusagen, also genau das Klima für Künstler wie ihn, der schon früh die elektronische Musik für sich entdeckte und bis dato in zahlreichen Projekten international veröffentlichte.

Seine Releases bewegen sich frech inmitten der aktuellen Genre elektronischer Clubmusik: ein wenig minimal, dazu eine gute Prise House – und das Ganze mit dem richtigen Groove kombiniert. Die korrekte Formel dafür ist ein gut gehütetes Geheimnis, selbstverständlich.

Von der Kultur und den Menschen Berlins beeinflusst, meistert er den schmalen Grat zwischen Hype und Coolness – seine Stücke locken auf den Dancefloor – und das nicht nur Hierzulande. In seinen Tracks klingt der Sound und das Tempo der Metropolen wieder, egal ob von beispielsweise Moskau oder New York, beides übrigens liebgewonnene Orte.

Berlins gegensätzliche Lebensarten und unzählige Reisen bannt er im Studio auf Tracks wie die gerade aktuell erscheinende Single: Jean Elan “Where’s Your Head At”

Dank seines stets weltoffen-interessierten Charakters wurden ihm nicht nur Auszeichnungen für seine Produktionen zuteil, sondern auch großes Renomeé für die bereits langjährige beratende Tätigkeit beim Record Label Ministry of Sound.

Der Global Player setzt weiterhin auf die Kommunikation des scheinbar Widersprüchlichen und freut sich auch nach Feierabend über spannende akustische Impulse – und sei es als vertonte Ausgabe aktueller Bestseller.

Klaas

Der Reiz an elektronischen Klängen wurde 1998 in der Kölner Clubszene geweckt: Klaas stieg mit verschiedenen Releases ein und tastete sich ehrgeizig an die Kunst des Mischens heran. Schon bald entdeckte der aufgeschlossene Kölner das Verlangen nach energischem Electrosound und produzierte mit seinem DJ Kollegen Micha Moor seine erste Elektroscheibe »Slip & Slide« (Scream and Shout Recordings), die sich auf Anhieb in den Playlists namhafter internationaler DJ-Größen positionierte. Fortan war Klaas in Sachen Elektro-House nicht mehr zu bremsen.

Mit mit seinen Veröffentlichungen »Get Twisted« und »Confession« hat er es bis in die Top 5 der Deutschen Dance Charts geschafft. Nach zahlreichen Remixen für u.a. Dr. Kucho & Gregor Salto,  John Morley, Greg Cerrone, Chrissi D! und Jens Lissat, remixte er Ende 2006 den UK Chart-Act »The Freelance Hellraiser« und kreierte mit einem weiteren Sony BMG UK-Act zusammen „Klaas vs. I´m a Finn – I Love You“.

Auch in der Schweiz fand sein unverwechselbar energischer Sound Anklang.
Kein geringerer als Dj Antoine bat ebenfalls um einen Klaas Remix zum aktuellen Egoiste Release
„DJ Antoine – This Time“.

Damit aber nicht genug. Bei dieser enthusiastischen Resonanz ließen auch Remixanfragen von Topacts aus dem Popbusiness nicht lange auf sich warten. So remixte Klaas erst kürzlich die Single der No Angels „Goodbye To Yesterday“ und verwandelte damit den Popstars-Sound in einen clubtauglichen Electrohouse-Mix.

Doch der Kölner Senkrechtstarter kennt scheinbar keine Pausen. Trotz diverser Remixe u.a. für Eddie Thoneick, Aston Martinez, Michael Mind und Global Deejays verliert er stets das Ziel eigener Produktionen nicht aus dem Auge. Im April erschien das neue Release aus dem Hause Klaas & Micha Moor: „Micha Moor – Music is Dope“.
Kurze Zeit später remixte er den Sommer Electro Smasher „Micha Moor – Space“ im Doppelpack und lieferte zwei gewohnt massive und trotzdem eigenständige Mixe ab. Der Klaas Club-Mix wurde ein Welterfolg und hielt sich sowohl bei Beatport als auch in den Deutschen Dance Charts für mehrere Wochen auf Platz 1.

Im November 2007 erschien nun endlich die langersehnte dritte Solo Single „The Way“, mit der Klaas neue Maßstäbe setzte. Mit drei völlig individuellen und zugleich starken Clubmixen zeigte er seine Vielfalt im Electrohouse Bereich. „The Way“ stieg gleich in der ersten Woche auf Platz 2 der DDC ein.

Von seiner fast 3 wöchigen DJ-Tour durch Australien und Neuseeland zurückgekehrt, lieferte er im Frühjahr 2008 seine Neuinterpretationen von altbekannten Klassikern wie „Guru Josh – Infinity“, „Horny United – Crazy Paris“ oder “G&G – My My My” ab.
Alle 3 Vinyls schafften fast zeitgleich den Weg in die Top 10 der Deutschen Dance Charts.

Kurz danach erscheint sein Remix zu DJ Disciples – Work it out. Eine logische Folge seines immens qualitativen Outputs war die Nominierung bei den Beatport Music Awards 2008 bei denen Klaas als einer der 10 besten Electro House Artists weltweit nominiert wurde.
Weitere DJ-Touren durch Kanada und Australien folgten und machten sein viertes Release erst im Mai 2008 möglich. Zu „Feel the Love“ steuerte er selbst wieder 3 starke Mixe bei und bewies damit einmal mehr seine extreme Flexibilität und Vielseitigkeit als Electro House Produzent.

No Angels

„Wir stellen uns immer wieder neue Herausforderungen – das macht uns als Band und als Freundinnen aus, wir versuchen nicht den einfachsten Weg zu gehen, sondern suchen uns ein Ziel, das uns als Frauen und Künstlerinnen wachsen lassen kann.“ (No Angels)

Ihre Erfolgsgeschichte ist bis dato einzigartig in der Musiklandschaft und beweist eindrucksvoll, dass man Girlpower nicht unterschätzen sollte…Die No Angels starteten 2001 als Siegerinnen der ersten „Popstars“-Staffel durch, debütierten mit der Single „Daylight In Your Eyes“ und dem Album „Elle’ments“ direkt auf Platz #1 der Media Control Charts – und legten danach erst richtig los. Ausverkaufte Tourneen, unzählige Musik- und Medienpreise (Echo, Bambi) und Gold- sowie Platinauszeichnungen folgten. Mit den Alben „Now… Us“ und „Pure“ (Top-Position: Platz#1) sowie dem Swingalbum „When The Angels Swing“ ließen sie alle Kritiker verstummen, denn zu diesem Zeitpunkt hatten die No Angels längst Klischees und Vorurteile, eine Retorten-Band zu sein, mit einem Lächeln weit hinter sich gelassen. Diese Ladys rockten eine ganze Nation – dem verführerischen wie energiegeladenen Popsound mit Ohrwurmgarantie konnte einfach niemand widerstehen… Nach einer dreijährigen Pause meldeten sich die No Angels mit dem brandneuen Album „Destiny“ zurück und eroberten mit ihrer Single „Goodbye To Yesterday“ die Charts und die Herzen der Fans. Die Sensation war perfekt: Single und Album stiegen beide direkt auf Platz #4 der Charts ein und machten das Comeback der vier Ladys perfekt! Mit Hitsingels wie „Maybe“ und „Amaze Me“ sowie „Teardrops“ zeigten die No Angels, welche Stärke und neue Qualität der Performance in ihnen steckt. Und die Fans zeigten sich begeistert! No Angels are back… und bereit, das nächste Kapitel ihrer Erfolgsgeschichte zu schreiben!

Nun steht am 6. März die nächste Herausforderung an, denen sich die No Angels mit Leidenschaft und Begeisterung stellen: Mit ihrer Teilnahme am deutschen Vorentscheid des Grand Prix Eurovision Song Contest erfüllen sich die Engel einen Kindheitstraum: „Es ist jedes Jahr ein Ereignis, bei dem Millionen Menschen mitfiebern und uns macht es natürlich ganz großen Spaß, bei der Vorentscheidung dabei sein zu können“, sagen Sandy, Nadja, Lucy und Jessica. Die No Angels werden ihren neuen Song „Disappear“ (VÖ: 29.02.08) live vorstellen und haben ganz besondere Gründe für die Wahl ihres Liedes: „Ein Song“, beschreibt die Band, „dessen Sound gut in den Frühling passt und der sicherlich viele Menschen – und nicht nur in Deutschland – berührt.“

No Angels

Über ihr sensationelles Comeback 2007 erzählen die No Angels: „Wir sind stolz, wieder zusammen zu sein. Jede von uns ist stolz darauf, ein Teil von No Angels zu sein – dieses Gefühl schweißt uns mehr denn je zusammen“, beschreibt Lucy die Stimmung in der Band und Nadja fügt hinzu: „Wir haben immer gewusst, dass wir wieder zusammen kommen und als Gruppe neu durchstarten werden. Irgendwie ist es schon ein Neuanfang. Wir haben uns in den drei Jahren Pause weiterentwickelt, viel ausprobiert und kehren nun mit diesem Wissen, diesen Erfahrungen zurück, um als Familie den nächsten Schritt wieder zusammen zu gehen.“ Das Tempo, das die No Angels seit ihrem sensationellen Debüt vorgelegt haben, hat die vier Workaholics und passionierten Performerinnen geprägt und den Grundstein für das neue Kapitel gelegt: „Wir waren immer bereit, alles für die Gruppe zu geben und haben uns selbst sehr hohe Ansprüche gestellt, was Songs und Shows angeht. Natürlich gab es Reibungspunkte, aber die waren auch wichtig! Jede von uns hat versucht, sich und ihren Style einzubringen. Doch jetzt sind wir gelassener geworden,“ erzählt Sandy und Jessica ergänzt: „Durch die Soloprojekte hat jede von uns sich ausprobieren können, ein bisschen das Ego streicheln dürfen. Nun geht es nicht mehr darum, zu zeigen, was jede von uns noch so kann und mag, sondern darum, was wir als No Angels, als Einheit, als Team hier und jetzt draufhaben.“

Diese vier Ladys wissen genau, was sie wollen und sprechen es direkt aus: „Die Entscheidung, wieder zusammen zu kommen, fiel uns sehr leicht. ‚Klar, die No Angels kommen zurück!’ Doch wir wollten nichts dem Zufall überlassen. Alles sollte genau so sein, wie wir es wollen. Wir sind jetzt schon so lange befreundet, kennen uns in und auswendig und können nun die kreative, die künstlerische und auch die geschäftliche Seite unserer Karriere optimal verbinden“, beschreibt Nadja die Ansätze der No Angels-Reunion. Über ihr Album „Destiny“, das am 14. März in der „Reloaded Deluxe Edition“ veröffentlicht wird sagen die vier Ladys: „Wir haben die Arbeit ganz anders wahrgenommen. Es lag eine gewisse Leichtigkeit in der Luft, weil wir soviel Spaß zusammen haben. Klingt banal, aber es ist das Wichtigste für uns: Spaß, Freude am Singen und gemeinsam etwas erleben und schaffen, was uns keiner nehmen kann. Wir sind eine Familie!“

Alexander Marcus

Alexander Marcus wird an einem Heiligabend in Berlin geboren. Da seine Eltern sich kurz nach seiner Geburt scheiden lassen und seine Mutter zu wenig Zeit und Geld für ihn hat, um ihn vor den schädlichen Versuchungen des Großstadtlebens zu schützen, wächst Alexander bei seiner Großmutter auf dem Lande auf.

Sie ist es, die das wahre Talent des kleinen Alexanders – nämlich die Musik, die in ihm lebt – erkennt und ihn zur Teilnahme an der volkstümlichen Kindertanzgruppe, den “Edelweißchen”, ermutigt. Unter der Leitung des Kirchenkantors Rolf Ludwigs werden die “Edelweißchen” zu wahren Kinderstars.

Als Alexander 18 ist, zieht er nach New York, um die weite Welt kennenzulernen. Er arbeitet im Waldorf Astoria und in der deutschen Bäckerei “Backstuberl”. Anfang 2000 wohnt er für ein Jahr in Miami und bekommt einen Job als Tennislehrer. Zufällig unterrichtet er dort den Besitzer der legendären Criteria-Studios (Bee Gees, Eric Clapton, Crosby, Stills, Nash & Young).

Bald nimmt er dort seine ersten Demos auf, die bereits deutsche Schlagertexte mit amerikanischen Rhythmen verbinden. Anschließend kehrt er überraschend auf den Hof seiner Großmutter zurück, die im Sterben liegt, und pflegt sie die letzten drei Jahre. Seit 2005 ist Alexander Marcus wieder in Berlin, um die Musikrichtung “Electrolore” stetig weiterzuentwickeln.

The Disco Boys

DJs AUS LEIDENSCHAFT

ALS DER DJ ZUM POPSTAR WURDE
Mitte der 70er begann das Zeitalter des Diskjockeys. Platten wurden nicht mehr einfach nur aufgelegt, sie wurden zelebriert. Es war die Geburtsstunde der Clubs, in denen die Nacht zum Tag gemacht wurde. Die Leute, die den Sound stets frisch zubereiteten, waren ihre Helden. DJs wie Larry Levan, Nicky Siano, Frankie Knuckles und Steve Silk Hurley begannen, Vinylscheiben ineinander zu mixen, mit zwei gleichen Vinyls bestimmte Parts zu verlängern und die Tanzenden mit nur zwei Plattenspielern in Ekstase zu treiben. Der Beat wurde endlos. Die Zeit des simplen Plattenauflegers, der brav eine Scheibe nach der anderen spielte, war vorbei. Clubs wie die Paradise Garage, die Gallery, das Loft und das Warehouse wurden zu Legenden, und aus Disco wurde House.

DIE MISSION DER DISCO BOYS
The Disco Boys  sehen sich in dieser Tradition. Sie waren 1995 mit die ersten in Deutschland, die konsequent original Disco Vinyl mit aktueller House Music gemixt haben. Ihr Indikator ist die Tanzfläche. Wenn es dort nicht abgeht, sind sie nicht zufrieden. Auch stehen die beiden nicht still hinter den Technics 1210ern. Stets im Partnerlook, mit gewagter Frisur und Sonnenbrille animieren sie allein schon durch ihre pure Anwesenheit. Raphael  und Gordon verstehen sich nicht als gesichtslose DJs sondern als Entertainer, die das Publikum mitreißen und zu Jubelstürmen bewegen. Mittlerweile sind sie aus der deutschen Clublandschaft nicht mehr wegzudenken. Egal, wo sie auflegen, die Läden platzen aus allen Nähten, auch wenn die Reise naturgemäß mittlerweile

EINMAL UM DIE GANZE WELT
Nachdem die beiden im Sommer 2004 jeden Sonntag auf Ibiza gerockt und mit der Single “For You” (feat. Manfred Mann’s Earth Band) einen Nummer-1-Hit im Gepäck haben, folgen DJ-Gigs in den USA, Thailand, England, Frankreich, Korea und China. Durch ihre unkomplizierte Art sind sie gern gesehene Gäste in den Clubs. Und nicht nur da, auch auf Großevents wie Mayday, Loveparade, Nature One, Time Warp oder Sensation White sind sie regelmäßig dabei. Schwieriger ist es bei diesen vielen Aktivitäten einen Termin zu ergattern. The Disco Boys  sind Monate im Voraus ausgebucht. Ihre jährlich erscheinenden Mix CDs sind heiß begehrt. “The Disco Boys – Volume 1” wurde bei ebay schon für über 200 Euro versteigert. “The Disco Boys – Volume 7” erreichte auf Anhieb Platz 2 der Media Control Compilation Charts.

BEST HOUSE ARTIST
Bei den im Rahmen der CeBit verliehenen “Dance Music Awards 2005″ wurden The Disco Boys vom Publikum zum “Best House Artist” gewählt. Ihr Talent als Produzenten wird immer gefragter, was nicht nur ihre eigenen Singles sondern auch Remix Aufträge für Bootsy Collins, The Bee Gees oder Marquess belegen.
The Disco Boys  sind bei ihren Produktionen genau wie bei ihren DJ-Sets Garant für Peak Time Hymnen und Floorfiller. Ihre Mischung aus aktuellen House und Electro Tracks sowie Sounds der 70er und 80er ist einmalig. Wenn The Disco Boys die Turntables entern, darf man sich auf eine exzessive Partynacht freuen. Tonight is partytime, it’s partytime tonight!

TEN GOLDEN YEARS … AND MORE
CURRICULUM VITAE – THE DISCO BOYS

1995
Auf der Scooter Goldverleihung für “Hyper Hyper” beschließen Raphael und Gordon: “Das können wir auch!” – “Und wir nennen uns Disco Boys!”. Gesagt, getan. Wenige Wochen später veranstalten sie ihre erste “Disco Fever” Party in der Hamburger Prinzenbar. Dank ungeahnter Hilfe der Hamburger Morgenpost, die den Flyer auf den Titel des Extrablattes nahm, brachen sie schon mit der ersten Veranstaltung alle Rekorde der Kultlocation. “Disco Fever” auch im Docks und im Kontor Club von Jens Thele.

1996
“Disco Fever” findet jeden 1. Freitag des Monats in “Housefrau” Andrea Junkers Club Absolut  am Hans-Albers-Platz statt und am 3. Freitag im Lübecker “Eishaus”.
Raphael und Gordon fliegen einmal jährlich nach New York City, um sich mit Original Disco Vinyl einzudecken. Sie haben jeder eine Sammlung von über 10.000 Schallplatten – vorwiegend Maxi Singles – zuhause.

1997
“Disco Fever” findet im legendären Grünspan statt. Dort hört Alex P. Jäger, Redakteur des Partysan NRW, zum ersten Mal den Sound der Disco Boys. Kurze Zeit später veranstaltet er im Tanzhaus des Westens in Essen “Disco Fever” mit den Disco Boys. Bookings in Frankfurt (U60311), Kassel (Stammheim), Münster (Dockland), Düsseldorf (La Rocca), Köln (Tiefenrausch), Dortmund (zuHouse), Erfurt (Joue Joue), Dresden (Blauer Salon) folgen.

1998
Auch in Hamburg tut sich was: The Disco Boys gehen in den neuen Tanztempel Phonodrome  und nennen ihre Veranstaltung Discodrome. Das Konzept ist, selbst als Resident aufzulegen und bekannte Gast-DJs dazuzuholen. Es geben sich die Ehre: Roger Sanchez, Felix Da Housecat, Phats & Small, Tonka, Joey Negro, John Acquaviva, Marshall Jefferson und viele mehr. Mittlerweile sind sie auch durch den Flamingo Club  in Essen, wo sie einmal im Monat die ganze Nacht auflegen, eine Macht in NRW. Ihre Parties haben die längsten Schlangen, sind fast immer ausverkauft. Um den Hamburger Fans mal zu zeigen, wie weiter südlich gefeiert wird, organisieren Raphael und Gordon eine Bustour von Hamburg nach Essen ins Flamingo. Aus Kassel reist regelmäßig eine circa 30-köpfige Delegation an, um bei diesen Events dabeizusein.

1999
Im Sommer erstes Ibiza Booking im El Divino. Erste eigene Produktion ist ein Remake des Prince Klassikers “1999”, den die Disco Boys mit Benny Braun  extra für den Jahrtausendwechsel produziert haben. In der Silvester Nacht bestreiten Raphael und Gordon drei Gigs: Los geht’s im Flamingo in Essen. Dann werden sie nach Münster ins Dockland gefahren, um später noch im Stammheim in Kassel Gas zu geben. Der Auflegmarathon dauert insgesamt von 22 bis 18 Uhr.

2001
“The Disco Boys – Volume 1” und die Single The Disco Boys feat. RB “Born To Be Alive” erscheinen. Hinter RB  verbirgt sich niemand Geringeres als Roberto Blanco. Mit ihm absolvieren Raphael und Gordon diverse TV Auftritte, u.a. “TV Total” und “Top Of The Pops”. Die Single platziert sich auf Anhieb in den Media Control Charts. Der Felix Da Housecat Remix wird von 2manydjs für deren Compilation angefragt. Ausserdem sind sie zweimal im “Cocoon Club”  im “Amnesia” zu Gast und beschallen die House Terrasse. Aufgrund ihres vollen Tourplans beenden The Disco Boys  ihre Veranstaltung “Discodrome”. Sie haben keine Zeit mehr, ihrer Veranstaltertätigkeit nachzugehen und legen fortan nur noch auf. Das Rubin auf der Großen Freiheit wird ihre neue Residency in Hamburg.

2002
“The Disco Boys – Volume 2” erscheint. Motto der zugehörigen Tour: “Two on tour”. Ihr Remix für Bootsy Collins’ “Play With Bootsy”  landet auf der A-Seite der Doppel-12”. Ausserdem remixen The Disco Boys “Knock On Wood” von Culture Beat Sängerin Jacky S., die ein echter Floorfiller wird. Erneut sind sie im “Cocoon Club”  auf Ibiza. Gründung der eigenen Booking Agentur DiscoBookings.

2003
Raphael und Gordon wechseln die Plattenfirma, von eastwest records (Warner) geht es zu Kontor. “The Disco Boys – Volume 3” und die Single “We Came To Dance” erscheinen. Motto der Tour zur CD: “Dasselbe in Grün”. Auf Ibiza legen die zwei im El Divino  bei “Follow Me”  auf. Beginn der monatlichen Residency im Frankfurter U60311.

2004
“The Disco Boys – Volume 4”  und die Single “Here On My Own” erscheinen. Motto der Tour zur CD: “Gelb macht glücklich.”  Zum Tourstart legen die beiden zum ersten Mal auf der Mayday  auf. Trotz der späten Stunde – sie spielen von 4 Uhr 45 bis 6 Uhr – verlässt keiner den Saal. Im Sommer fliegen sie jeden Sonntag nach Ibiza und spielen im El Divino. Die Parties sind ein voller Erfolg.

2005
Zum Zehnjährigen gehen Raphael und Gordon auf “Ten Golden Years Tour”, die sie neben Deutschland nach Frankreich, Österreich, USA und China bringt. Fast alle Gigs sind ausverkauft. Die Single The Disco Boys feat. Manfred Mann’s Earth Band “For You” ist 6 Wochen lang Platz 1 der offiziellen Dance Charts (ODC40) und hält sich über 10 Wochen in den Single Verkaufscharts. Die Mix CD “The Disco Boys – Volume 5”  erreicht Platz 5 der Media Control Compilation Charts. Bei den “Dance Music Awards 2005” werden The Disco Boys zum “Best House Artist” gekührt. Der Gewinn dieses Publikumspreises beweist wie beliebt die Jungs bei ihren Fans sind. Seit März moderieren die beiden eine monatliche Radiosendung bei Sunshine Live, dem meistgehörten Jugendsender. Sie schreiben eine eigene Kolumne im auflagenstärksten Dance Magazin Raveline. Mittlerweile sind sie Monate im Voraus ausgebucht – und bestreiten Großveranstaltungen wie “Sensation White”, “Mayday”, “Nature One” oder “Time Warp”.

2006
The Disco Boys starten “Back In Black” zur “The Disco Boys – Volume 6” Tour und präsentieren ihre neue Single “Hey St. Peter”. Die Single platziert sich auf Platz 28 der Media Control Charts und hält sich über Wochen auf Platz 1 der Dance Charts. Dieses Jahr erweitern sie Ihr Länderportfolio neben den “üblichen Verdächtigen” um Thailand, Tschechien und Ungarn.
“For You” bricht weiterhin alle Vinylverkaufsrekorde und wird 100.000 Mal als Download gekauft. “The Disco Boys – Volume 6” ist unter den Dance Compilations eine der bestverkauftesten, nämlich auf Platz 3 in den Media Control Compilation Charts!
Auch 2006 geht nicht ohne Premieren vorbei: The Disco Boys spielen das erste Mal auf der Time Warp in Mannheim und gewinnen bei den DJM Awards den Preis als “Best House Act 2006″.
Als Dankeschön an ihre Fans veranstalten die Boys das erste Mal einen Großevent in der Hamburger Messehalle, damit keiner mehr vor der Tür warten muss – und werden prompt von mehr als 4.000 Feierwütigen überrannt.

2007
Ein Novum in der Geschichte der Housemusik zumindest in Deutschland dürfte der Erfolg von “For You” sein, welches nach 2,5 Jahren und einer erneuten Nachpressung und Veröffentlichung Goldstatus erreicht. Der interessanteste Aspekt hierbei ist die Tatsache, daß dieses Stück in den ersten Jahren so gut wie keine Radio- und TV-Unterstützung bekommen hat, was bei diesem Erfolg so gut wie unmöglich ist. Das spricht dafür, daß sich “For You” von ganz unten nach ganz oben gearbeitet hat, und der Clubgänger diesen “insider” zum Hit gemacht hat. Ebenfalls dafür spricht die Nachhaltigkeit des Tracks, der auch heute noch bei kaum einer Party fehlt.
Im Spätherbst kommt über Warner Deutschland die Anfrage aus den USA für einen Bee Gees Remix auf den Tisch. Er soll Teil der weltweit veröffentlichten “Best Of Bee Gees” werden, die anläßlich 30 Jahre “Saturday Night Fever” zusammengestellt wird. Der “The Disco Boys Remix” von “If I Can’t Have You” wird persönlich von den Gib Brüdern abgenommen und erscheint als eine limited edition Vinyl, als Single-CD und weltweit auf der “Best Of” Compilation.
“The Disco Boys – Volume 7″ entert Platz 2 der Media Control Compilation Charts. Erstmals erscheint bereits im Spätsommer eine zweite Kopplung “The Disco Boys – Volume 8″ in einem Jahr. Dieser neue Veröffentlichungs-Termin soll in Zukunft beibehalten werden.
Man mag seinen Augen kaum trauen, aber die Fakten sprechen fuer sich: The Disco Boys gelingt das, was selbst bisher bekannten Popacts nicht gelang – sie sind mit 3 Singles zeitgleich in den Charts vertreten. Der Hattrick.
“For You” hält sich immer noch auf Platz 24, “Here On My Own” auf Platz 75 und last but not least findet man “What You Want”, die aktuelle Single der Disco Boys, auf Rang 88!
The Disco Boys beenden das Jahr in Zusammenarbeit mit CosmoPop, die auch für die Großveranstaltung “Time Warp” verantwortlich sind, mit einer eigenen Silvesterparty auf dem Maimarkt-Gelände in Mannheim.

2008
“For You” seit ca. 3 Jahren mit Unterbrechungen immer noch in den deutschen Top 100 Single Charts. Eine “The Disco Boys – Volume 1” Compilation aus dem Jahre 2001 kostet bei eBay über € 200,- und bei amazon ca. € 300,-. Für das deutsche Erfolgsprojekt Marquess produzieren die Disco Boys einen Remix des Nr. 1 Hits “Vayamos Compañeros”, der weltweit veröffentlicht wird. Neben den bereits etablierten Großveranstaltungen “Discofestival”, “Mayday”, “Time Warp”, “Love Parade” und “Nature One” legten die Disco Boys auch auf den Newcomern unter den Groß-Open-Airs auf, wie zum zweiten Mal beim “Baltic Soul Weekender”, ebenfalls zum zweiten Mal auf dem “Sundance” am Essener Baldeney See vor ca. 7.000 Gästen, zum dritten Mal in der Balver Höhle, dem “Sputnik Springbreak”, dem “Mixery Castle” auf der Burg Lichtenberg, einer Open Air Party mitten in Hannover auf dem Raschplatz und der “Time Warp” in Rotterdam. Neben wiederholten Auslandsbookings in London, Moskau, der Schweiz, Österreich, Ungarn, Polen, Luxemburg, kommt ein weiteres asiatisches Land hinzu: Südkorea.

Am 03. Oktober 2008 erschien “The Disco Boys – Volume 9” auf der 4 neue Disco Boys Singles enthalten sind. Die Clubtour “Der blaue Planet” begleitet die Veröffentlichung von Anfang Oktober bis Ende des Jahres.

Sarah Connor

Mit ihrer Debüt-Single Let’s Get Back To Bed – Boy! traf Sarah Connor im Frühjahr 2001 mitten ins Schwarze. An der Seite von US-Star TQ schaffte sie auf Anhieb den Sprung auf Platz zwei der deutschen Single-Charts, Top Ten Platzierungen im europäischen Ausland und Platz 15 der European Top 100. Nach wenigen Wochen folgten Gold-Auszeichnungen in Deutschland & Österreich und der Musiksender VIVA verlieh der Künstlerin den Comet in der Kategorie Newcomer National.

Mit From Sarah With Love (VÖ: 05.11.01) konnte die damals 21-jährige Ausnahmekünstlerin den Erfolg nur wenige Monate später noch steigern. Die Single war wochenlang auf Platz 1 der deutschen Single-Charts, wurde bereits nach wenigen Tagen vergoldet und erzielte mit über 750.000 verkauften Singles dreifach Gold! Und auch in Österreich und der Schweiz wurde die Single mit Gold bzw. Platin ausgezeichnet.

Das erste Album Green Eyed Soul (VÖ: 26.11.01) knüpfte an diesen Erfolg nahtlos an: Sofortiger Einstieg auf Platz 3 der deutschen Charts, nach einer Woche Gold- und inzwischen sogar Triple-Gold-Status mit über 450.000 verkauften CDs und stolzem Platz 2!

Kaum verwunderlich, dass der Erfolg in den übrigen europäischen Ländern nicht lange auf sich warten lies: Ob Finnland, Griechenland, Polen, Österreich, Schweiz, Belgien, Portugal oder die Niederlande überall stand Sarah Connor in den Top 10 und wurde bereits vergoldet oder mit Platin ausgezeichnet.

Im Sommer 2002 erfüllte sich die Echo-Preisträgerin (Kategorie Künstlerin National Rock/Pop) einen langgehegten Traum. Sie ging auf große Tournee und spielte fast allerorts vor ausverkauften Hallen.

Wer nun dachte, die im Sternzeichen des Zwillings geborene Sängerin würde erst mal ein paar Wochen ruhen, der hatte weit gefehlt. Gemeinsam mit ihrem Freund und Vorbild Wyclef Jean ging Sarah ins Studio und spielte in – bezeichnenderweise – nur einer Nacht den Titel One Nite Stand (Of Wolves and Sheep)
(VÖ: 02.09.02) ein, den Wyclef nicht nur für sie geschrieben und produziert hatte, er begleitet Sarah auf der heißen Nummer auch noch stimmlich.

One Nite Stand (Of Wolves and Sheep) war die erste Auskoppelung aus Sarahs zweitem Album Unbelievable (VÖ: 30.09.02), das in unglaublichen 48 Stunden Goldstatus erzielte.

Mitte 2003 überraschte Sarah ihre Fans mit einer ganz besonderen Nachricht: Sie wurde schwanger! Doch bevor Sarah sich in die verdiente Babypause zurückzog, feierte sie an der Seite der New Yorker Acapella-Band Naturally Seven mit dem Song Music Is The Key (VÖ: 03.11.03) ihren zweiten Nummer 1 Hit in Deutschland und eroberte auch mit ihrer ersten DVD A Night To Remember – Pop Meets Classic (VÖ: 13.10.03) die Pole Position der Charts!

Im November 2003 veröffentlichte Sarah ihr drittes Album Key To My Soul (VÖ: 10.11.03), das es seinen Vorgängern gleich tat und sofort “vergoldet” in die Top Ten einstieg

Auch die zweite Single-Auskoppelung Just One Last Dance feat. Natural (VÖ: 01.03.04) kletterte an die Spitze der deutschen Single-Charts, und wurde ebenfalls für über 150.000 verkaufte Singles mit Gold ausgezeichnet. Just One Last Dance ist somit bereits die zweite Gold- & Nr. 1-Single aus Sarahs, mittlerweile für über 200.000 verkaufte CDs mit Platin ausgezeichnetem, Album Key To My Soul .

Obwohl Sarah sich für mehrere Monate zurückzog, gelang es ihr einen weiteren Meilenstein ihrer Karriere fast im Vorbeigehen zu setzen:
Ihre Debüt-Single Bounce platzierte sich Anfang März 04 in den US-Charts und kletterte bis auf Platz 11 der Airplay-Charts. Und auch UK ließ nicht lange auf sich warten, hier stieg Bounce nur wenige Wochen später auf Platz 14 in die britischen Single-Charts ein.
Damit erfüllte sich für Sarah der heimliche Traum wohl aller Musiker – der Durchbruch in den USA & UK! Doch nicht nur den englischsprachigen Raum eroberte Sarah im Sturm. In Japan schoss ihr Debüt-Album von 0 auf 12 in den Japan Intl. Artists Charts!
Für ihre großartigen internationalen Erfolge wurde Sarah am 15. September 04 in Las Vegas neben Künstlern wie Outkast, Usher und Norah Jones mit dem World Music Award geehrt. Sie erhielt die Auszeichnung in der Kategorie Erfolgreichster Deutscher Künstler im Ausland.

Nach knapp einem Jahr Familienpause meldete sich Sarah im November 04 mit einer neuen Single zurück: Living To Love You (08.11.04). Eine ergreifende Ballade, die die Erfolgsstory in diesem Jahr zu einem krönenden Abschluss bringen sollte: Mit Living To Love You erklomm Sarah die No. 1 der deutschen Single-Charts – nach Music Is The Key & Just One Last Dance zum vierten Mal in ihrer jungen Karriere (From Sarah With Love 2001) & zum dritten Mal in Folge!

Zu Beginn des Jahres 2005 betrat Sarah Connor völliges Neuland: An der Seite von Bully Herbig feierte sie ihr Leinwanddebüt, in dem neuen Animationsfilm der ICE AGE-Macher: ROBOTS (Kinostart: 17. März 05). Sarah lieh der liebenswerten Roboter-Lady Cappy nicht nur ihre Stimme, sie stellte mit From Zero To Hero (VÖ: 07.03.05) auch gleich den Titelsong.

Ganz im Sinne des Song-Titels From Zero To Hero schoss die Single in der ersten Verkaufs-Woche direkt von 0 auf 1 in die deutschen Single-Charts und wurde mit über 150.000 verkauften CDs sehr bald auch vergoldet! Mit dieser Nummer-1-Platzierung erklomm Sarah Connor zum vierten Mal in Folge den Chart-Thron. Ein Meisterwerk, das seit Auswertung der Charts durch MediaControl noch keinem deutschen Künstler gelang!!

Am 21. März 2005 veröffentlichte Sarah Connor ihr viertes Album Naughty But Nice. Der Longplayer besticht durch Up-Tempo-Nummern, intensive Soul-Facetten und auch Gitarren treten diesmal stärker in den Vordergrund. Doch alle Songs wurden erneut von Sarahs einzigartiger Stimme getragen und gaben ihnen damit den ganz besonderen Schliff.
Neben den bewährten Produzenten-Teams Kay D. & Rob Tyger, sowie Booya, steuerte auch der Ausnahme Songwriter Johnny Douglas, (arbeitet u.a. mit Größen wie George Michael, Kylie Minogue und Tom Jones) mit You’re The Kinda Man einen Song zu Sarahs viertem Album bei.

Kaum verwunderlich also, dass Sarah Connor auch mit ihrem Album Naughty But Nice die Pole-Position der Charts erklimmen konnte und damit gleich beide Spitzenplätze, Single & Album, in der gleichen Woche belegte.
Bereits in den ersten 48 Stunden nach Veröffentlichung wurde Naughty But Nice über 100.000 mal verkauft – Gold-Status! Einige Wochen später wurde das Album für über 200.000 verkaufte CDs mit Platin ausgezeichnet.

Doch nicht nur beruflich schwebt Sarah allen davon – auch privat konnte das Glück nicht größer sein. Im August 2005 gaben sich Sarah & Marc Terenzi auf einem romantischen Schloss in Spanien das Ja-Wort! Die Krönung einer großen Liebe.

Wer nun dachte, dass Sarah Connor sich nach Beendigung ihrer ausverkauften & umjubelten Naughty But Nice Tour im Herbst 05 in die verdiente Pause zurückziehen würde, der hat die Powerfrau unterschätzt! Zum Ende des Jahres wartete Sarah mit einer ganz besonderen Überraschung auf: Ihr großes Faible für Weihnachten brachte Sarah auf die Idee, ein Weihnachtsalbum zu veröffentlichen: Christmas In My Heart! Eine gefühlvolle Mischung aus bekannten deutschen & internationalen Weihnachtsliedern, Traditionals und sanften Neukompositionen. Auch dieses Album wurde in kürzester Zeit in Deutschland mit einer Goldenen Schallplatte geehrt.

Das Jahr 2006 ließ Sarah ruhiger angehen. Sie zog sich aus dem aktiven Showgeschäft zurück um sich ganz ihrer Familie & der Geburt ihrer Tochter Summer zu widmen. “Familie ist das Wichtigste für mich!” erklärt Sarah bestimmt.

Nach mehrmonatiger Pause trat Sarah Connor Ende 2006 zurück ins Rampenlicht und veröffentlichte die emotionale Ballade The Best Side Of Life (VÖ:24.11.06). Der Song war jedoch nicht nur der perfekte Soundtrack der Vorweihnachtszeit, er begleitete die berühmten Coca-Cola Weihnachtstrucks auf ihrer Tour durch Deutschland & wurde zudem die musikalische Untermalung der Coca-Cola-TV-Spots.

Mit fünf Nummer 1 Platzierungen in Folge, knapp 40 Gold- & Platin-Auszeichnungen & über 5 Mio. verkauften Tonträgern weltweit gilt der Name Sarah Connor als Garant für extrem erfolgreiche Popmusik.

Sarah Connor ist jedoch viel mehr, als nur eine erfolgreiche Popsängerin. Alles, was Sarah macht, tut sie voller Leidenschaft, Hingabe – und immer aus tiefster Seele.
Von dieser inneren Stimme ließ sich Sarah Connor im Frühjahr 2007 einmal mehr leiten & veröffentlicht am 30.03.07 das Album Soulicious, eine Hommage an Sarahs Vorbilder aus dem Amerika der 60er & 70er Jahre. Verborgene Musik-Schätze stehen neben Soul-Perlen und fast vergessenen Hymnen. Songs wie I Never Loved A Man (The Way That I Love You), Part Time Love oder Your Precious Love, Lieder der wohl bedeutungsvollsten schwarzen Musik-Ära. Alle Songs wurden im Studio Saal 4 des ehemaligen Berliner Rundfunks live & von Hand eingespielt. Erstklassige Musiker, die bereits mit Künstlern wie James Brown, Lionel Richie, Erykah Badu, Joy Denalane und den Fantastischen Vier arbeiteten, sowie ein 48köpfiges Symphonie-Orchester, begleiteten Sarah bei den Aufnahmen.
Es entstand eine traditionelle Soulplatte, umgesetzt im Lebensgefühl der heutigen Zeit.

Für Sarahs ersten großen TV-Auftritt nach über zwei Jahren wurde ein ganz spezieller Rahmen gewählt:
The Impossible Dream (The Quest) ist die Hymne zum großen Boxkampf Henry Maske vs. Virgil Hill und zu diesem Anlass wird Sarah den Song am 31.03.07 live in der Münchner Olympiahalle präsentieren.

2008
Monatelang war die Sängerin mit unermüdlichem Einsatz, voller Energie & Tatendrang um die Welt gejettet, um sich persönlich mit den erfolgreichsten Produzenten & Songwritern der unterschiedlichsten Musikszenen zu treffen. In den verschiedensten Ländern wurden Listening- & Jam-Sessions abgehalten, bis genau die Leute gefunden waren, die ihre musikalische Vision teilten.
Das Ergebnis ist ein heißer Mix verschiedener Sounds, HipPop nennt Sarah den Stil ihres siebten Albums:
“Ich bin ständig auf der Suche, will mich & meinen Sound neu definieren. Das Album ist ein sexy Mix aus Popmusik mit HipHop und R&B Elementen. Eine richtig scharfe Dance-Platte, mit geilen Riffs und fetten Beats! Die Songs sind in einem Moment zuckersüß & im nächsten Augenblick böse – so wie wir Mädchen eben sind!

Dieses Album ist ein Teil von mir. Obwohl so viele verschiedene Produzenten an dem Projekt Sexy As Hell beteiligt waren, ist das Ergebnis ein perfektes Zusammenspiel aller Songs. Das liegt zum einen natürlich daran, dass alle meine Produzenten einfach unfassbar großartige Künstler sind. Ich denke, dass man spürt, dass ich bei diesem Album so stark wie noch nie an der Entstehung & Entwicklung der Songs beteiligt gewesen bin und jeder Song somit ein großes Stück von mir in sich trägt.”

Mikkel Remee Sigvardt & Thomas Troelsen, dänische Star-Produzenten (u.a. des No.1 Hits Hot Summer und der weltweiten No.1 Superstar von Jamelia) wurden von Sarah ins Team geholt. Mit ihnen schrieb sie die erste Single Under My Skin und die heiße Elektro-Pop-Nummer See You Later, sowie den Titel-Track Sexy As Hell.

Top-Songwriter JR Rotem aus LA, der bereits mit Künstlern wie Britney Spears, Dr. Dre, Destiny’s Child & Sean Kingston arbeitete, steuerte den Song Fall Apart bei.

Sinnliche & ruhige Züge genießt das Album dank der Erfolgsproduzenten Kay D. & Rob Tyger, die Sarah bereits fünf No. 1 Songs schrieben und für das neue Album u.a. die Ballade Crazy In Love und den Sarahs Tochter Summer gewidmetem Song I’ll Kiss It Away beisteuerten. Beide Songs sind sehr persönlich, nicht zuletzt, weil die Texte aus Sarahs Feder stammen.

Den passenden Schuss Pop erhält das Album durch die auf Mallorca mit Bülent Aris (u.a. Backstreet Boys, N’Sync) recordeten Songs Act Like You & Touch.

Und um den Mix perfekt zu machen, entdeckte Sarah ihre Liebe zu den bösen Jungs & verbrachte viel Zeit im Berliner Studio der Produzenten Marek Pompetzki & Paul NZA, die zuletzt mit Sidos Nummer 1 Album “Ich & meine Maske” für Furore sorgten. Sie mischten die Single Under My Skin, produzierten Fall Apart und schrieben die Uptempo-Nummer Play.

Mit Sexy As Hell erfindet Sarah Connor sich völlig neu. Der heiße Mix aus Popmusik, HipHop & R’n'B macht das Album zur schärfsten Dance-Platte des Jahres!